Casa de las Iguanas

HUMBERTO VINUEZA GANA EL PREMIO JOSÉ LEZAMA LIMA

2012-01-28T04:27:00.000-08:00

El premio honorífico, José Lezama Lima, otorgado por Casa de las Américas, fue otorgado a Humberto Vinueza por su antología poética "Obra Cierta".

Este galardón ha sido entregado a importantes poetas como José Watanabe, Juan Gelmán, Raúl Zurita y Kamau Brathwaite.

La Revista Casa de las Iguanas comparte esta alegría y unos poemas de este poeta ecuatoriano.

EN TODO LA luna como una señal
tentativa del aprendizaje de un gesto
de la raíz que se va haciendo esbozo de sumario.
La piel se abrevia adentro de las cosas
el ojo se extiende y con densidad de hilo
une fijeza y mudanza
con membrana de noches estrelladas
caos climático con diapasón de abrazos
exactitud de rincones con palabras que juegan
a ser trascendentes no más de una vez
la mirada devuelve el umbral de lo invisible
el mundo quizás aguarde su doble que sin existir lo releve
y parezca único donde se une el barro con el cielo
entonces el balance no será un método quiromántico
sino la unidad de medida de cualquier síntesis
la puerta cruje al abrirse
y al cerrarse cruje.

MUDAMOS EL ESPACIO hacia el tiempo vivo
la eternidad hacia el lustre
vigente de los muebles y los trastos.

Los libros y las cacerolas
las sábanas de batallas y armisticios
las alfombras en verso y prosa
las otras pieles del insomnio
la juguetería envuelta en las olas del aire
los cuchillos que dan confianza
el vestuario ilusorio de nuestras tragicomedias
los disfraces para no temerle ni a la vida
los abalorios del humor la ternura el apego
los cuadros de fidelidad probada
las fotos en otro entonces a colores.

El camino más corto entre los dos
es mudarnos mutuamente.
El más largo no existe.

MIENTRAS LLUEVE BAJO la noche negra
ranas pares croan tentando a ranas nones.
Él escribe versos silenciosos para desemparejar
el tiempo de la puerta y la puerta del deseo
y entre páginas y sábanas se oculte el relámpago carnívoro
y la lluvia humedezca con desvío de sintaxis
el aire de la gruta de donde nadie sale sin la lisura de la fe hacia la tiniebla de la naciente frontera.
La edad confiere confianza al sexo con retardo
y arde como una lámpara en el borde de pantomimas sucesivas
de la transfusión del tiempo de quienes inventaron
el primer canto hace ya tanto infinito modulado
de la flauta con neuronas en vez de agujeros del fogonazo de creer que se vive el sueño en el espejo adentro de las cosas.
Vuela una mariposa desde algún pecho
hacia el croquis de las genealogías y no se sabe dónde comienza el alma ni dónde termina el cuerpo.
Pareja es la única palabra o tibieza de ave
que no sustituye con ventaja a su presencia.

Humberto Vinueza nació en Guayaquil, Ecuador, en 1942. En la década de los sesenta perteneció al grupo de vanguardia cultural Tzántzicos. Ha formado parte de consejos editoriales de destacadas revistas literarias del país (Pucuna, La Bufanda del Sol, Procontra, Letras del Ecuador, Eskeletra) y ha publicado libros de poesía como Un Gallinazo Cantor Bajo un sol de a perro (1970), Poeta Tu palabra (1989), Alias Lumbre de Acertijo (1990) y Tiempos Mayores (2001). Libros inéditos de poesía, de próxima aparición son: Palabra habitada, Libro de las migraciones, Constelación del instinto, El marelmar y Versos de carne travesti. En 1991 recibió el Premio Nacional de Poesía Jorge Carrera Andrade, por su libro Alias Lumbre de Acertijo. Sus textos poéticos constan en antologías nacionales y latinoamericanas, en el idioma original y traducidos al inglés y francés.

COLA 3: JOCELYN PANTOJA

2012-01-25T15:03:00.000-08:00

Presentamos a continuación tres poemas inéditos del poemario Tránsfuga de la poeta y editora mexicana Jocelyn Pantoja, inaugurando la sección COLA 3 de la Revista Casa de las Iguanas, donde aparecerán tres poemas inéditos de diversos autores.

Huyendo de un lugar a otro, o traicionándose a sí misma, la voz de este libro atraviesa la etapas de un Sin Nombre apoyada sobre una dislocación radical en el plano de cada uno de los poemas que la sostienen. Mas que hacia el amor y el cuerpo, se viaja hacia el jardín perdido de una niña que nunca fue olvidado por completo y donde todos somos y no somos las lágrimas y los instantes que acaso permiten ser atrapados dentro de un poema. La poesía contemporánea en su estado más rizomático y posmoderno, torciéndole raíces y dimensiones a la palabra sagrada.

∫

Y al final del torbellinoal que te arrastró la nostalgia

después de todas las vueltas sobre el dolor y la muerte

yaces al fondo herida en ala de tu costado izquierdo

y siguen ahí: el sol, las nubes, el agua

pero tú estás debajo ¿qué piensas que sigue?

Tú eres la mismanoche que se escapa en la delirante forma de aves nocturnas que alzan su vueloal amanecer, este es un sueño dejusticia convirtiéndose en realidad frente a tus ojos, pupilas perdidas que nomiran la realidad presente sino el futuro.

Tú me has dado aescoger,

me premias conuna flor de Lis,

me dices que miturno no llegará,

yo soy de esaotra estirpe:

Disponer lasclaves es mi tarea,

señalar el nortehacia tu puerta

donde se unentodas las lenguas.

Susurras los nombres de las cosas como la fórmula antiquísima de la piedrafilosofal, la poción de la locura, la locura que ciega porque la verdad es duracomo la tersura de un pétalo.

losángeles acusados de demonios miran todo y comandan esta revolución

***

∫

Te sorprende que al final de esta brecha por la que hemos andandoabriendo paso, quitando hierba, matando víboras, soñando a salto de mata, tediga que no hemos llegado y que además estamos al borde de un precipicio, ¿Aún dudas en saltar?

Te digo lenta pero certeramente que es inevitable: saltaremos yjusto antes de golpear con lo que sea que esté debajo tendremos alas.

Al final esa es la única realidad en donde en verdad podremos serlibres. Para volar sólo hace faltadescifrar el lenguaje de las aves.

Como si no fueratodo un teorizar sobre la malla de esta hoja de papel,

preguntarseconstantemente ¿qué hacer?

Mi querida, tengopocas respuestas y esta cajita donde te guardo a ti.

Pero te escribo.Tomo el papel entre mis manos y alestrujarlo y tirarlo al vacío recompongo todo para acariciar largamente nuestra historia.

Esta mañanarecordé cuando corrías feliz por los campos, decidí que aunque todo estodespués no exista, escribirte en este mismo papel, el cual en un ataque derabia agujeree para saltar al otroextremo por uno de sus huecos.

Descubrí con larespiración entrecortada que no ha pasado nada, y que ir de uno y otro lado deldesquiciado frenesí de quererlo todo no tiene sentido

cuando conpaciencia deben estar puestas las letras en su lugar.

Me preguntassi todas las aves son cantoras. Sí todas saben el silbido de lo invisible y noes necesario que las entiendas si permaneces en lo evidente.

Si tuvieras que recomponerlo todo

¿por dónde comenzarías?

¿Por no abandonar el camino

o por retomar

el camino de regreso a casa?

Si tú quitaras estapiedra tal vez yo volvería a sonreír o tal vez no: ¿por qué quieres todos losgestos evidentes, si al final está todo en pequeñas cajas para ti? Ahí está el sol que redondea e ilumina losdías, la risa plena de verdes hojas, elaroma de las castañas que se queman puestas a la hoguera, el dolor listo aliberarse de la nostalgia pétrea y todas las llaves que perdiste para queabras, de nuevo, cuantas veces quieras todas las cajas y dejes a los recuerdosvolar y ser libres como esos pájaros con los que sueñas. Entonces sanará laesquina de ala rota que duele tanto como la costilla extraída de todas lasalegrías.

(mira desde el otro lado: un túnelnos devuelve el infinito)

***

No se trata de la equidad

ode justicia sino de la correspondencia

delo que no sustituye

nirepara.

Conuna mano toco el extremo de los corazones tristes,

conla otra muevo el viento y pido a las aves comuniquen sus cantos a las cosas en todos los espacios donde su vuelo cubre distancias que se acortan.

Túme miras sorprendido en este viaje metomas

dela mano con dulzura,

yote repito que estoy loca y me cubres de besos las costuras.

Jocelyn Pantoja (Ciudadde México, 1978) Poeta, editora y gestora cultural. En mayo de 2010 concluyó eldiplomado en Gestión y políticas culturales impartido por la OEI, CENART y LA UAM. Estudió lacarrera de Letras Clásicas en la Facultad de Filosofía y Letras de la unam. Tiene una Especialización enEdición por el Centro Editorial Versal, SC. Como poeta ha publicado elpoemario Geografías y Fronteras enla (Generación Espontánea México 2007),Amor X (Trece Letras, 2009) y “La Verdadera Historia de Kitties” (Honda Nómada,2010 y Baile del Sol 2011). Fue antologada en Tentación de decir. Antología de cuento y poesía (FFyL/unam, 2004), y en las revistasnacionales Opción y Tierra Prometida, así comolatinoamericanas La prensa literaria (Nicaragua),también en España dentro de las Antologías: 21balas y Voces del Extremo 2009. Hasido invitada a los siguientes festivales internacionales: Estoy Afuera, ciudad de México, 2005, Festival Chilango-Andaluz, 2007, Voces del Extremo, Fundación Juan Ramón Jímenez, Moguer, 2008, Festival de Letras y Artes Paulistas(FLAP), Sao Paulo 2008, Carruaje dePájaros, Chiapas, 2009, Poetas enNueva York 2009. Ha participado en numerosas lecturas nacionales e internacionales entre las más destacadas suparticipación anual en la Feria del Librodel Zócalo de la Ciudad de México (desde 2005) y en la Feria del Palacio de Minería (desde 2008). Actualmente es directorageneral y editora -desde el 2003- de Literal,gaceta de literatura y gráfica merecedora en tres ocasiones de la beca EdmundoValadés para revistas independientes del Fondo Nacional para la Cultura y lasArtes (FONCA). El crecimiento del proyecto Literal hacreado una editorial independiente que busca propuestas innovadoras deliteratura a nivel Latinoamérica y cuenta con tres colecciones de poesía: Limón Partido, Pico de gallo y víboradelamar.

DIEZ PREGUNTAS SOBRE LA URGENCIA: Una entevista a Eduardo Milán de Arturo Borra

2012-01-09T06:24:00.000-08:00

1. Para muchas personas la poesía se ha convertido en un lujo que -habida cuenta de sus urgencias vitales- consideran que no pueden permitirse. ¿Qué cabe esperar de quienes consideramos más bien que la producción poética forma parte de esas urgencias? O, para repetir la pregunta de Hölderlin: ¿para qué la poesía en tiempos de penuria?

La pregunta de Holderlin es fundamental no sólo para la modernidad en que se conceptualiza. ¿ A quien se sirve? Los dioses de Holderlin son el orden, la explicación, la trascendencia, la posibilidad Otra. Pero también lo que escucha, lo que oye. Con quien se dialoga. Para Holderlin se sirve a ese condensado de atributos. Pero en plena secularización, para un poeta, un dios se parece a un lector. O sea, el verdadero poeta -y es difícil esta categoría- no sirve a nadie. Es lo bueno. Pero hay poetas -y eso no quiere decir que sean falsos sino que para mí quiere decir que no cumplen con la dignidad de la poesía- que sirven al lector. El sueño de la mercadotecnia, el sueño del espectáculo -eso propio de ciertos novelistas, de actores, políticos y cantantes de rock: celebrities-- no escapa a nadie. Por otra parte, diría que no cabe esperar nada de quienes consideramos -yo al menos- a la poesía no como una urgencia sino como una necesidad luego de un azar, como un destino aceptado luego de ciertas contingencias que señalan rumbos. Pero decir o preguntarse “qué cabe esperar” es como creer que hay algo de elegidos -secretamente, en voz baja, murmurado porque carece de prestigio en el mundo real- en los que escribimos poesía y somos poetas. Lo que está en juego hace tiempo es lo humano. Y luego, de ahí, lo mejor de lo humano que puede ser la creación. Pero hay que precisar: la creación de buena calidad. También abunda la mala. En esta época es dominante.

2. En el contexto del presente, marcado por la masacre y el estado de excepción, ¿cómo podríamos contribuir a transformar desde el campo poético lo extrapoético? ¿En qué sentido la poesía podría tener eficacia política, en unas condiciones culturales que la marginan de forma radical?

Es una cuestión ética. La poesía juega a partir de la ética del poeta, no juega sola. Me cansé de aquellas voces que salvan por anticipado a la poesía, que la salvaron siempre, que, de alguna manera, le otorgaron un lugar tan especial. Alguna vez - en Resistir creo que fue- arrinconé ese argumento contra las cuerdas -no sólo contra las vocales: contra las del ring- y hablé de un mundo donde la poesía se salvaba y se hundían los humanos. A esa paradoja lleva decretar la salvación de la poesía por anticipado. La poesía es política como todo acto humano. Y puede ser política como forma de resistencia. En la medida en que se acepte que la palabra está gastada porque la poesía es gasto ejercido, no ahorro, no capitalizable. De modo que hay un deseo. El deseo no preserva su gasto. Que lo hiciera sería como hablar de un capitalismo del espíritu. Lo que quiero decir es que la poesía no es el ejercicio de un deber ser, de un superyó. Es un acto de libertad. Y depende del alcance que se le dé al concepto y al término. Una sociedad donde todo se consigue no es una sociedad de libre deseo sino de “libre” condicionamiento, valga la contradicción. Cuando uno empieza a decir: “la palabra poética es la contención frente a la”, etc, uno ya condicionó la cosa. La poesía puede ser un acto de contención ante la emisión moldeadora de opinión de ciertos medios dirigidos y orientados para controlar. Puede ser una forma de contención ante la emisión meramente contactual (de hacer contacto) del habla común y cotidiana que son formas de ejercer y poner a funcionar un código. Pero uno puede también comprobar luego que ciertos poetas que rodean la palabra de silencio luego rodean un libro de mutismo y luego esperan en la fila del Nóbel sin hablar de lo que pasa. Insisto: un poema tiene que ser lo que yo quiero, no lo que los pueblos que sufren. A los pueblos que sufren puede o no interesarles la poesía. Y luego veremos qué poesía les interesa. Fabricamos equivalencias con la facilidad de la necesidad. ¿Cuáles pueblos? ¿La parte que se levanta contra el capitalismo o la parte que busca un lugar en el capitalismo? Volviendo a tu pregunta anterior: si algo cabría esperar de nosotros los poetas es que sepamos caminar por este borde difícil, en este equilibrio difícil. Hoy todo está en juego. Hay que preguntarse si ese mundo extrapoético o ese afuera -esa gente, esos lectores- quieren mejorar o quieren cambiar. Si todo está en juego, insisto, la poesía también está en juego. Es insostenible la complicidad de los poetas alrededor de la poesía como si la poesía fuera la misma cosa. Hace mucho que la poesía no es esa cosa esencial que nos vuelve hermanos.

3. En conexión con lo anterior, ¿qué puentes podríamos y quizás deberíamos construir quienes participamos en el campo poético con respecto a movimientos sociales críticos, como por ejemplo el movimiento de indignados que, en los últimos meses, se ha expandido a escala mundial?

Indignarse es llenarse de dignidad y desbordarse. Cuando Góngora dice “escribo para pocos” está en el núcleo de la dignidad, no desbordado. Habita pleno la dignidad. La poesía ahí es esa cosa que ocupa su propio lugar, brilla como un insecto que ocupa su propio lugar. Es el momento de alta calidad, o sea: donde contiene su novedad autoabastecida, sin más mercado que el paso de la oreja, los ojos, la sensibilidad y la conciencia, los cuatro pasos del placer en poesía. Pero ese nivel es difícil de mantener. Y empieza el negociado. La indignación de la poesía es no aceptar el negociado. Como la indignación del indignado de la Puerta del Sol o de la Plaza Libertad es no aceptar el ser negociado, el que le roben, secuestren o vendan su futuro y el de los suyos. Pero hay que ver lo que te decía antes: saber si lo que se quiere es no perder la dignidad ante lo intolerable -esa venta, ese negocio de la vida, esa biopolítica del aire- o la demanda de un lugar en el espacio del capital, que ya es bien otra cosa. Queremos cambiar -mantener la dignidad de la poesía en lo que la poesía significa para uno- o queremos reivindicación -acomodarla a cómo dé lugar al deseo o a la necesidad de un lector, de un mundo. O sea, hacerla posible. Lo más hermoso de la poesía, lo que yo considero belleza, es la imposibilidad que esa cosa contiene, su incomunicable intrínseco, su exhibición y defensa de ese incomunicable. Ese efecto que crea de no estar y estar ahí, de no haber estado nunca, de nunca haber sido, de poder ser por no haber sido. Pero jamás volver a ser. Y jamás volver a ser igual, lo mismo siempre. Esto último negaría lo esencial para mí, lo que más quiero. Y creo que es lo que está en juego en la relación dignidad de la poesía-indignados.

Lo otro que me parece de primera importancia de los indignados -que parecieron mucho tiempo dormidos, en verdad, o confiando en un estado de cosas que no era, esa ingenuidad que se parece a los latinoamericanos fascinados con Obama porque se oponía tanto en imagen como en contenido a la bestialidad de Bush- es el riesgo que eso asume en relación a su estado de permanencia en la indignación. El que despertó del sueño de esta sociedad saqueada dirigida por saqueadores - en el capitalismo actual, no vale la pena -aunque no todo es lo mismo, no es lo mismo el sur que el norte- hablar de países o de gobiernos bajo la lógica dominante de las corporaciones- difícilmente pueda volver a soñar aquel sueño. Podrá dormir con la conciencia tranquila en la medida en que actúe. Y los poetas tienen palabra. El problema es el uso de esa palabra. Ese es el gran problema. Ya lo sabemos: esto va para largo. Y esto contradice la noción de urgencia. Urgencia, en realidad, no hay. Yo apoyo a los indignados como ser humano. Yo me indigno. Eso marca mi escritura. Pero no es una receta ni un mandato. “Todo poeta debe indignarse”. Todo ser humano debe indignarse. Se juega la vida en eso. Como poeta no sé si es necesario proclamarse. ¿En la modernidad la poesía no ha sido una suerte de indignación más o menos estentórea? No era Rimbaud un indignado? Lautréamont? Baudelaire? Mallarmé? Artaud? Duchamp? Satie? Martínez Rivas? Nicanor Parra? Décio Pignatari? Y sigue la lista. La creación artística que yo valoro vivía en el punto de indignación. Otra no. El problema es que esa que no se volvió mayoritaria y dominante. Tampoco se volvió celebratoria como un Perse o un Guillén. Se volvió pasiva, acompañante, expectante de los resultados de la Academia. Eso también indigna. La dignidad de la poesía pasa por no esperar nada. Y eso es dificilísimo en este mundo.

4. Ante el devenir secta de los grupos poéticos dominantes, una estrategia típica para “hacerse hueco” en el campo es la apelación al pluralismo estético (lo que a menudo se convierte en una forma de desentenderse del ejercicio de la crítica a esos grupos). ¿Cómo articular –si cabe- una cierta forma de pluralismo con la elucidación de los límites de una determinada escritura y de las prácticas más o menos legítimas que la posibilitaron?

Lo único es respetar una frontera. No se puede dejar de creer en lo que uno cree por convivir en forma pacífica. Eso es suicida. También empezar a conceder mediante espacios de silencio -no decir nada ante lo que uno no puede soportar porque considera mal hecho, mal pensando, o, como digo: entregado al lector- termina siendo autoaniquilante. Hay que acordar las diferencias. Delimitar los bordes. No se puede renunciar a la crítica. Los grandes maestros de la negación -como los grandes maestros de la Nada en Oriente- fueron los que formaron el concepto que manejamos de la conciencia, sobre todo la crítica. Renunciar a la conciencia crítica es enfermarse. El mayor síntoma de salud que conozco es denunciar los abusos del Poder. Y eso está considerado, precisamente, una especie de “enfermedad negativa”. Los cansados de negación son los que ahora vienen con el abrazo hermano y con la poesía “para mirarse a los ojos”. Conmovedor de veras. Equivale en términos políticos a la negación de la justicia. Viva la hermandad caritativa del beso. A mí que me cuenten fuera.

5. Decías en otra ocasión que la poesía exige trabajar con la pérdida. Ante esa sombra que remite a la melancolía, quizás sea preciso repreguntar: ¿qué es lo que perdemos en la escritura? También podría reformularse la pregunta de forma paradójica: ¿tuvimos alguna vez aquello que la poesía supone que pierde?

Se relaciona con el ser. El ser pierde por ahí. Toda la poesía es un ejercicio de esa pérdida, de ese dejarse ir del ser. O sea: lo contrario de esa sobre-potencialización atribuida a los grandes metafóricos -no Quevedo ni Góngora- a los grandes poderosos de la poesía, creadores de grandes universos. No es el ejercicio de una debilidad: es el de una pérdida en el sentido de algo ya constituido. Una pérdida no en el sentido que deja un hueco, un buraco: en el sentido que va hacia otra cosa. Toda la poesía -esto no tiene que ver, por una vez, con la cantidad en el sentido de una industrialización de la cosa- es un gran movimiento hacia la pérdida, una trashumancia hacia la pérdida de sí misma. Nada sacrificial, nada en nombre de otra cosa, ninguna hoguera, ningún quemarse: esos siguen siendo los enemigos. Pero esa herejía frente a lo institucionalizado del ser, primero, y luego frente a lo institucionalizado del olvido del ser como dice Heidegger, toda esa glaciación, todo ese imprevisible de la vida -que pudo haber sido otra cosa radicalmente distinta-, eso lo lleva la poesía en sí misma. Una nostalgia de su ausencia, si quieres. Eso es lo que quiero decir. Todo arte tiene para mí la emanación de esa nostalgia de no haber sido y no de haber sido otra cosa como un caballo que llora por dejar de haber sido grifo, una almendra por haber dejado de ser ojo egipcio o dos combas tocadas en sus inicios sobre el cielo. O mucho menos imaginaria y como me gusta a mí: una pobreza que lamenta su ser riqueza ya perdida. No esa aristocracia. Algo más libre. Se trata de algo que lleva lo de la vida, ese movimiento. No ponerse dramático. La cosa es compleja. Alain Badiou hablaba en ese libro magistral “El siglo” de las posibilidades todavía del arte a través de lo que él llama sustracción -como francés lo puede decir: aquí sustraer es robar, hay que decir tal vez restar, o en términos de acción sustraer (se) es omitirse, no estar allí. Hay una enseñanza total en esto. Los poetas complejos y paradójicos (Guillaume de Poitiers, Juan de la Cruz, Garcilaso, Góngora, Quevedo, Lope, John Donne, Holderlin, Von Kleist, Rimbaud, Laforgue, Augusto de Campos, John Cage, López Velarde, Rulfo) lo sabían. ¿Por qué lo olvidamos nosotros? Porque no hablamos de lo mismo cuando decimos “poesía”.

6. La concepción del poema como «erizo», que lleva en su superficie lo incomunicable, suele toparse con el reclamo de más claridad y sencillez, exigiendo algunas certidumbres poéticas para atemperar nuestra perplejidad. De hecho, uno de los señalamientos habituales es que ese tipo de poema “espanta” al lector… ¿Qué presupuestos sobre lo poético y lo político implican posturas semejantes? Y como contraparte, ¿cómo replicar a una posición así, erigida en presunta portavoz de lo popular?

Si la implicación política del erizo-poema es la incomunicación bienvenida sea. La comunicación es para los comunicadores. Si un poema espanta hoy en día todavía hay esperanza. El problema es precisamente que ningún poema espanta. El adormecimiento que da lo previsible necesita de vampiros, días después de mañana, sequías, hambrunas de radical suelo rajado. Hoy la incomunicación es política porque actúa como alternativa a la sobre-comunicación. Seamos contingentes. Esto es hoy, política es hoy. No ayer ni mañana. Hay que decirle -si uno quiere decirle- a esa masa, a ese pueblo que tanto había a principios del siglo XX, a ese movimiento de gente pendular que vela -cuando vela- o reacciona solamente por sus intereses que tiene que aprender a no comunicarse. Tiene que aprender re-individualizarse y no andar por ahí en patota esperando la promesa después de las urnas -o sea, la post-vida, la ultratumba. Indignado es el que renunció a la promesa de la falsa democracia. Eso es lo que interesa. ¿Si uno renuncia en la vida a esa falsa democracia va a pedir verdadera democracia para la existencia en sociedad del poema? ¿Qué locura tan fea es esa? ¿De lo contrario cómo va a distinguir a Bob Dylan de Palito Ortega o del bueno de Joselito?

7. En varios ensayos tuyos has contrapuesto una “lengua del exilio” a un “exilio de la lengua”. ¿Qué supone esa lengua de la que nos exiliamos y qué lugar (más o menos inestable) traza o promete nuestra escritura? En ese desplazamiento, ¿cuáles serían sus fronteras infranqueables, en caso de que existieran?

Esa lengua del exilio de la lengua no existe como lugar, no hay eso, supone una posición y una creación. No hay un lugar en la lengua llamado exilio de la lengua. Hay que crearlo en la escritura. Significa agarrar el lenguaje por los cuernos de la luna que no tiene. Ahí sí no hay fronteras, en la medida en que siga siendo exilio. La condición exiliar -así me gusta decir eso- no se pierde nunca. Es la utopía personal en mi hábitat, lo que yo me comprometo a hacer. De todos modos significa además no intentar crear ninguna lengua del exilio, eso que hablaríamos todos en esa situación. La mayoría de los exiliados intenta regresar a casa. Y no hay reproche de ningún tipo de mi parte. Regresar de noche con los focos prendidos o sin los focos prendidos, recién orillado el barco o desmontado el caballo, con los ojos fijos de plato de la liebre sobre ti o sin sus ojos, los del vecino detrás de la cortina. Sólo que ya no se puede intentar escribir en posición de un exiliado de la lengua. Uno vuelve para volver -valga la redundancia- no para seguir afuera.

8. En tu crítica a la claustrofobia del presente, en una entrevista anterior señalaste que el poema es, precisamente, la instancia que abre la puerta (lo que no significa que los pájaros salgan necesariamente). Una vez más: ¿forjar salidas hacia dónde, en qué dirección, para que no se conviertan en nuevas trampas? En particular, ¿qué poéticas contemporáneas contribuyen a crear esas salidas?

Bueno, ahora hay que aguantar esto: forjar salidas hacia el afuera. Y luego vemos. Porque adentro se muere sofocado. Lamento la falta de garantía. Pero es un problema de integridad. La dirección se ve en la marcha. De nuevo lo del exilio. Cuando uno se exilia muchas veces no tiene la seguridad de la meta -en realidad, sólo transitoriamente se le presenta, en general. Nunca fue lo mismo salir a México que a Noruega -y eso que México estaba muy bien en el 79. O mucho mejor que ahora. Vivimos este mientras tanto que posibilita alguna acción sin saber hasta cuándo ni hacia dónde. En cuanto a las poéticas, vivimos el tiempo de las variables. No sé si una variación mínima puede señalar un rumbo. Aquí la teoría del diminutivo no ayuda mucho. “Una lucecita que nos guíe y devuelva el esplendor”, decía el extraordinario Ezra Pound en traducción de Vázquez Amaral. O apostar por la reversibilidad catastrófica. De cualquier manera es cuestión de tiempo. El capitalismo también es cuestión de tiempo. La eternidad, si existiera, expulsaría al capitalismo asqueada.

9. Puesto que toda producción poética está situada en condiciones sociales e históricas determinadas, ¿qué huellas más o menos reconocibles deja en tu discurso tu estancia prolongada en México? Como contraparte, ¿qué persiste de ese Uruguay del que te exiliaste?

México es la cultura que tiene el mayor componente mítico que conozco en América Latina. En algunas partes se toca con un Brasil que quiero, ese Brasil del sertao de Glauber Rocha y de Joao Guimaraes Rosa, que coexiste con esa otra grandeza que representa -antímitica por cierto- la de los poetas concretos de Sau Paulo, Augusto de Campos, Décio Pignatari, Haroldo de Campos, toda esa herencia que me viene de mi madre brasileña. México practicaba en su cultura una gran coexistencia cultural. Pero faltaba, en los ochenta, práctica crítica. Yo no hacía crítica literaria ni de poesía en Uruguay. Estudié Letras. Empecé por invitación de Octavio Paz a escribir una columna de poesía en Vuelta alrededor de 1987. Ya escribía poesía en Uruguay, tenía tres libros publicados antes de salir a México. En 1991 publiqué un libro, Errar, con el que fui reconocido como poeta, no unánimemente. Tengo el orgullo de no haber sido un éxito en nada. Una de las huellas que en mi discurso se pueden notar es la resonancia de los que me quieren y la resistencia a una buena cantidad de gente que no me quiere y detesta lo que hago. En cuanto a Uruguay, persiste lo esencial. Me siento un uruguayo en México, nunca dejé, salvo en períodos de flotación amorosa, de sentirme uruguayo. Hablando de dignidad, Uruguay para mí es una lección, en cuanto a su sociedad -algo que viene de Artigas- de dignidad y resistencia. La figura de mi padre -que alcanza una dimensión muy particular con su prisión política de 12 años- es una presencia permanente en mi vida, difícil, constitutiva.

10. Para terminar, en una realidad drástica en la que todo parece naufragar, ¿cuál es la tarea más urgente para una poesía que no se conforma con sobrevivir entre los escombros?

Hay que tratar de ser buenos fenicios. No mercantes: navegantes. Navegar, no en internet sólo, no precisamente. Navegar en la conciencia. Crear posibilidades. No todo está cerrado. Hace diez años cuando todo parecía más abierto -en Europa, sobre todo- no sé si no estaba más cerrado. El poder-no de los indignados es una esperanza. Se puede ir todo al demonio. Es posible. Pero insisto en que despertar a un cierto grado de conciencia vuelve imposible soñar el mismo sueño. En todo caso, profundizar en los grados de conciencia. No aceptar la homologación: “Nosotros, los poetas…”, “la poesía, que para nosotros…” ¿nosotros quiénes? Esto no es separar: esto es discernir. Hay una gran confusión en todo esto. La clase dominante no sé si está en riesgo. Pero la clase dominante no discierne entre poesía y poesía.

* Cortesía de Arturo Borra

Zeitgeist 2011

2011-12-28T22:28:00.000-08:00

Al finalizar el año Casa de las iguanas presenta su selección de las 12 publicaciones más relevantes de la poesía nacional - Edición 2011. Agradecemos a nuestros lectores por la confianza depositada a lo largo de estos 6 años. Nuevos y mejores proyectos nos esperan en el 2012.

Título: El Cuerpo y las sombras

Autor: Javier Ponce

Editorial: Corporación Cultural Orogenia, Quito

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Título: Bóveda 66

Autor: Ernesto Carriøn

Editorial: Mantis Editores, Guadalajara

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Título: Interior de ciudad

Autor: Wladimir Zambrano

Editorial: Dadaif Cartonera, Guayaquil

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Título: Antología Personal

Autor: Pául Puma

Editorial: Mar Abierto, Manta

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Título: La mujer de helio

Autor: Dina Bellrham

Editorial: El Quirófano Editores, Guayaquil

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Título: Mi Padre en las rieles de Sumpa

Autor: Freddy Ayala Plazarte

Editorial: Drugos de la naranja, Quito

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Título: La Otra, La Misma de Dios

Autor: Aleyda Quevedo

Editorial: El Conejo y Línea Imaginaria, Quito

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Título: Escritos de cordel

Autor: Julio Pazos

Editorial: Ediciones el Tábano, Quito

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Título: Miss o´ginia

Autor: Fernando Escobar Páez

Editorial: Doble Rostro, Quito

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Título: Cuadernos de Indiana

Autor: Luis Carlos Mussó

Editorial: Camareta Cartonera, Guayaquil

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Título: Antología Personal

Autor: Simón Zavala

Editorial: CCE, Quito

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Título: Los Diarios Sumergidos de Calibán (LIBRO I)

Autor: Ernesto Carriøn

Editorial: Doble Rostro, Quito

EVENTOS: Presentación de libros cartoneros en el Manso

2011-12-19T21:29:00.000-08:00

Miércoles 21 de Diciembre en el Hostal Manso, ubicado en la calle Malecón 1406 entre Aguirre e Illingworth, se presentarán las obras: Interior de Ciudad de Wladimir Zambrano y Cyborg Democracia de Ernesto Carriøn, a las 19h00. Para la lectura de los analísis de los libros, realizados por el poeta mexicano Aurelio Meza y la narradora ecuatoriana Gabriela Alemán, se contará con la participación de editores y escritores como Marcelo Báez Meza.

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Entrada Gratuita

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SOBRE LOS AUTORES

Wladimir Zambrano (Guayaquil - 1984) Poeta, artista visual y docente. Es licenciado en Comunicación Social y escribe en la revista Virtual Casa de las Iguanas. Ha participado en recitales poéticos dentro y fuera del país. Como el III Encuentro Latinoamericano de Poesía Actual Poquita Fe (Fundación Pablo Neruda - Santiago de Chile - 2008); Fiesta de la poesía (Alianza Francesa de Guayaquil 2007-2008-2009); I Encuentro Iberoamericano de Poesía (Ministerio de Cultura del Ecuador-Feria del libro 2010). Textos suyos aparecen en Punto de partida (UNAM - MEXICO DF 2009), Ruido Blanco II (Quito -Consejo Nacional de Cultura 2010) Big Sur (Buenos Aires – 2011). Creador de Puerto Guerrilla (Tácticas de intervención literaria), proyecto que tiene como fin renovar el formato de las lecturas poéticas así como su inserción dentro de la esfera pública. Su primera tentativa poética (Diario del crepúsculo) recibió el Premio Nacional de Poesía David Ledesma Vásquez 2009

Sobre Interior de Ciudad

¿Qué es lo que mantiene al escritor en su búsqueda? Sin lugar a dudas, en Wladimir Zambrano la escritura es tan inevitable como la experiencia misma. Su poesía, como en el caso de Rilke o de Gelman, nace de una necesidad de la escritura, que es la necesidad propia de vivir. En estas ideas reunidas al interior de una ciudad (cuyo vehículo, el texto, se desborda de los límites formales del poema, la serie, el libro, etcétera), hallamos un canto que delira en pos de certezas, de las pulsiones negativas, del amor a escondidas, y de la constatación innegable de que la vida es contradictoria:“Estoy cansado / pero extrañamente joven”, lo cual es sólo un lado de la moneda: “Yo mismo soy / todas las babilonias de las que pretendo huir”, frases que señalan hacia un punto en fuga: “una línea continúa viajando hacia el sentido…” Si esta es una historia de amor, es la más cotidiana y (tal vez precisamente por ello) temible que haya escuchado.

Tijuana, México. Noviembre 2011

Aurelio Meza

Ernesto Carriøn (Guayaquil, 1977) Es autor de La muerte de Caín, cuarteto formado por los poemarios: El libro de la desobediencia, Carni vale, Labor del extraviado y La bestia vencida (CCE, 2007), que es, a su vez, el primer volumen de una trilogía única titulada Ø. Del quinteto Los duelos de una cabeza sin mundo, han aparecido: Fundación de la niebla (Cascahuesos editores, Perú, 2010), Demonia factory (Zignos, Perú, 2007; Eskeletra, Ecuador, 2008; Limón Partido, México, 2009; El Conejo, Ecuador, 2011), Monsieur Monstruo (Ed. de autor, Ecuador, 2009) y Los diarios sumergidos de Calibán I (Doble Rostro editores, Ecuador, 2011). Además ha publicado: Toma esta cabeza mestiza por donde rodará un dios judío (Santa Muerte cartonera, México, 2008), la plaquette Los diarios sumergidos de Calibán (Conaculta, México, 2009), Bóveda 66 (Matapalo cartonera, Ecuador, 2010; Mantis editores, Guadalajara, 2011) y Ghetto americano (Catafixia editores, Guatemala, 2010). Tuvo a su cargo el volumen Identidades a plazo. Recopilación de textos de pacientes del Hospital Psiquiátrico Lorenzo Ponce (CCE, 2008). Ha sido Premio Nacional de Poesía César Dávila Andrade (2002), Premio Latinoamericano de Poesía Ciudad de Medellín (2007), Premio Nacional de Poesía Jorge Carrera Andrade (2008), Finalista del II Certamen de Poesía Hispanoamericana Festival de la Lira (2009), Becario del Fonca y la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo en México (2009) y Mención Especial del III Certamen de Poesía Hispanoamericana Festival de la Lira (2011).

Sobre Cyborg Democracia

El impacto de leer a Ernesto Carriøn es el mismo como si un meteoro cayera en medio de un campo de maíz de mi tierra natal o en un territorio donde pulula el desarrollo del concreto; lo que luego se produce es el resultado de leer esa gran poesía; Ernesto y sus mutaciones de la realidad. Son las secuelas después de múltiples lecturas y de un neobarroco y neobarroso transmutado, que viene del origen, pisa la tierra y nos recuerda las grandes hecatombes de este tiempo pasado y presente que son en uno contenido. La gran utopía de la incertidumbre y las metáforas duras y hermosas de Ernesto son más que un grito en medio del horror de la civilización, de este mundo que hicimos también acompañado de las máquinas, las cuales no reconocen el jardín del Edén y que nos entregan la incógnita de la supervivencia. Va mi admiración plena en esta poesía ubérrima de Ernesto Carriøn y venga el lector (des) ocupado a soñar con nosotros por encima del Cielo, a ver el patrimonio decapitado, de una juventud cibernética echada toda a perder en el siglo XXI (@, fb, $). Solo me queda decir al igual que el vate ecuatoriano: Uno se da por vencido hasta volverse humano.

Javier Alvarado (Panamá)

ENSAYO: MÁS SOBRE LA IV EDICION DE DEMONIA FACTORY Ernesto Carriøn y la ENDEMONIADA POSMODERNIDAD

2011-12-07T20:29:00.001-08:00

Por: José Kozer

Me identifico con Ernesto Carriøn porque somos grafómanos. El término grafómano no me satisface, creo que los dos somos grafófilos. Escribimos, no desde una obstinación malsana ni desde una neurótica visión, sino desde una necesidad interior, que participa de la vocación y de un afán doble: el de mejorar el mundo, lo cual per se no es misión de la poesía, pero sí un añadido que bien llevado no deja de ser parte del fundamento poético; y el de intentar, vía poética, trabajo incesante, dejar una huella, más que amena desgarrada, una huella para todos los que buscan, como Carriøn, una espiritualidad. Ésta, la espiritualidad, no se chupa el dedo, tiene bases prácticas para la consecución de la propia escritura, y sabe plantar los pies en el mundo, testigo participante, ser inmerso. Huella desgarrada, en efecto, porque toda la poesía auténtica se rebela contra el escándalo de la muerte (la frase es de Canetti) y atestigua su horror, su para mí en última instancia incoherencia, falta de justificación. Morir no es sólo un absurdo, es un hecho innecesario e injustificable, y dada su radical presencia, no hay poeta verdadero que pueda eximirse, ausentarse, de su gravitación. Demonia Factory, de primera y pata, y en última instancia, es un grito desgarrado y desgarrador surgido del timor mortis conturbat me clásico, y su concomitante horror a la muerte: así, este libro de poemas es una Danza Macabra más. Y es mucho más.

Lo es porque Demonia Factory es astral y es una habitación: lo astral agorafóbico de que hablara Pascal, que irradia desconocimiento y certidumbre: la certidumbre de la Muerte, el desconocimiento de nuestro paradero ulterior. Mas lo astral, para Carriøn, es, por inefable, por impalpable y tal vez en exceso mayestático, irreal. Lo que interesa es la habitación (invadida por lo astral, por el horror infinito) una habitación que por supuesto pertenece a una casa, casa que contiene como es lógico una familia: y en la familia, madre, padre, o luego, esposa, hijo, son ejes de pobreza, de malestar social, de agolpamiento de las miserias de la vida, la historia (de América Latina, y cómo no, del mundo): casa con la historia de mujeres que son la muerte, mortíferas mujeres que, modo lapidario, aforístico casi, aparecen en boca de maestros de varias naciones (maestros griegos, romanos, judíos, búlgaros, alemanes, uruguayos y demás, todos vinculados por la Eva aplastante que acaba por convertirnos en guiñapo de hombre, tras ser violada, ninfa algo procaz, por Neptuno: dios irrisorio, desde que los dioses griegos pasaron, por desgracia, a ser papel mojado, tinta simpática).

Voz joven, la de Carriøn, voz que aún no busca la entrada al monasterio pese a la necesidad de claustro, de refugio espiritual que su obra manifiesta: voz, al contrario y de momento, que se busca en la calle, en el cuarto trastero y último de la casa, cuarto de la noche oscura, noche de la violencia, de la madre violada con el palo en ristre para arriarle una buena tunda al hijo, que por serlo merece la paliza: por el camino costroso y polvoriento, del que reconoce que para alcanzar la luz, Bateau Ivre, tiene primero que tocar fondo oscuro, y ahí, en el riesgo de estar sumido en oscuridad, sin báculo y a ciegas, cargando el hachón y la tea de las tinieblas, realmente cegado, trepanar la luz, para extirpar la oscuridad: cirugía poética de escalpelo y bisturí, exorcismo ante la locura, y la falta generalizada de cordura del mundo actual, y quizás el de todos los tiempos. Casa, Patria, pobreza, masacre, perversión, cuerpos mutilados, descuartizamiento enseñoreado, Poder, intemperie casa adentro, la verdadera intemperie del desvalimiento cotidiano, con todas sus “mañanas sin importancia”: ahí la aparición del hijo, la pareja, la posibilidad, no de vencer a la Muerte, sino de vivir la plenitud de la luz, de la vida, soñando realidades factibles, cónyuges de carne y hueso con quienes compartir, y quizás, quizás, la entrada a la Isla, una Isla donde no dejan de existir Danza Macabra y Muerte, pero donde también hay generosidad lezamiana, bullanga habanera, malecón que se abre al mar, que es la libertad, y que impide los desastres del mar, pues no hay ciudad que no precise de una defensa, ni ciudadano que pueda vivir todo el tiempo en el desgarramiento y la invalidez del extirpado. Demonia Factory tiene ese contenido de sabiduría, es un libro iniciático, con un autor que entre púas y estacazos, ha iniciado, lo vaticino, el camino al monasterio: no necesariamente un monasterio de monjes y devociones sino un monasterio en casa, con los hijos, la consorte, la mesa larga puesta con la frugal comida, esa comida que da para cuatro y debe dar, pan multiplicado, pez en la multiplicación sagrada, para todos.

“Y vi en mis ojos rehacer a las estrellas espléndidas muertes” dice Carriøn, voz apocalíptica, voz donde se funden Peter Greenaway, Blake, Viel Temperley: y yo añadiría que vio a las estrellas asimismo renacer de las espléndidas muertes para hacer que Ernesto Carriøn fuese un poeta astral y de la casa, un poeta latinoamericano joven, camino de una sabiduría diversa y diaria, práctica y solidaria, que se reconoce Ecuador de un sitio, sitio que es también Uruguay y La Habana, que es América Latina y Bulgaria, sitio parido por la madre poesía, y que el hijo acoge. Hay que pasar, Bateau Ivre, por los diversos infiernos de la tierra, y conocer el instinto de muerte, la necesidad suicida (“hubo un tiempo en que la voluntad de morir fue mi patrona”) para generar poemas, textos, como los que conforman (y celebro) Demonia Factory. Libro posmoderno por abierto, y libro, auguro, para todos los tiempos, de mano y voz que se manifiestan en lengua viva castellana, y en lengua sucia y numinosa, riesgosa, que no teme estallar, Big Bang y Little Bang, por los confines de lo actual.

“HIJO NO TIENES LÁPIDA

AÚN PUEDO ENVIARTE FLORES

TODAS LAS NOCHES

SOBRE CUALQUIER RÍO”

es un verso incandescente y a la vez objetivo porque reconoce que donde imperó, en una anterior modernidad, la metáfora llevada por el surrealismo a ciertos extremos, y la metonimia que sustituye moderadamente una cosa por otra, lo pequeño por lo total, y viceversa, ahora, necesidad histórica, exigencia del momento que vivimos, precisa del recurso estilístico del anacoluto, recurso ideal para desplazar, modificar de modo abrupto, trasladar con vertiginosidad, actualizar y renovar el monólogo interior que sigue y persigue al pensamiento poético en su ceguera: recurso que Carriøn practica con toda naturalidad, movilizando el eje poético de sus escrituras por la mayor cantidad de esferas posibles, zapping que bien conoce su generación y que Ernesto Carriøn blande con punzón luminoso.

José Kozer (La Habana, 28.03.1940)

Poeta, ensayista, traductor y profesor universitario De padres emigrantes judíos provenientes de Polonia y Checoslovaquia, nació en La Habana, Cuba, donde vivió sus primeros veinte años. De 1965 a 1997 (año de su jubilación) enseñó lengua y literatura en español en Queens College, Nueva York. Fue Jefe de Cátedra del Depto. de Literatura Comparada de dicha universidad. Su poesía une varias tradiciones poéticas importantes, como la judía o la norteamericana; crea un mundo poético personal y a la vez preocupado por el papel del lenguaje. Ha sido ampliamente antologado y publicado en numerosos periódicos y revistas de Europa, América Latina y Estados Unidos Recibió la Beca Cintas, la Beca Gulbenkian, y el Premio Julio Tovar de Poesía, 1974.Ha publicado Padres y otras profesiones (1972-USA) Por la libre (1973-USA) Este judío de números y letras (1975-España) Y así tomaron posesión en las ciudades (1978-España) Jarrón de las abreviaturas (1980-México, 2003-USA) La rueca de los semblantes (1980-España) Antología breve (1981-República Dominicana) Bajo este cien (1983-México) La garza sin sombras (1985-España, 2006-Argentina) El carillón de los muertos (1987-Argentina, 2006-México) Carece de causa (1988-Argentina, 2004-Argentina) De donde oscilan los seres en sus proporciones (1990-España, 2007-Chile) Et mutabile (1995-México) Los paréntesis (1995-México, antología)AAA1144 (1997-México) Réplicas (1997-Cuba, antología) La maquinaria ilimitada (1998-México) Dípticos (1998-España) Farándula (1999-México) Al traste (1999-México) Mezcla de los tiempos (1999-México) Rupestres (2001-Brasil y Panamá, portugués-español) No buscan reflejarse (2001-Cuba, selección antológica) Bajo este cien y otros poemas (2002-España, selección antológica) Rosa cúbica (2002-Argentina) La voracidad grafómana: José Kozer (2002-México) Anima (2002-México) Madame Chu & outros poemas (2002-Brasil y Panamá, portugués-español) Un caso llamado FK (2002-México y USA) Una huella destartalada. Diarios (2003-México) Ogi no mato (2005-México) Y del esparto la invariabilidad (2005-España) Íbis amarelo sobre fundo negro (2006-Brasil, portugués-español) Stet (2006-USA, selección antológica, inglés-español) Trasvasando (2006-Venezuela) De donde son los poemas (2007-México) Práctica (2007-México) Mueca la muerte (2007-Chile) Ocambo (2007-Chile) Veintidós poemas (2007-México) En feldafing las cornejas (2007-México) Trazas (Spuren) (2007-Suiza, alemán-español) Reside en Estados Unidos de América desde 1960.

EVENTOS: I Encuentro Nacional de Poesía “Marejada” Santa Elena, 8 y 9 de diciembre

2011-12-07T20:14:00.001-08:00

Cronograma de Actividades

Jueves 8 de diciembre

07H30 Desayuno

08H30 Ambientación

09H00I ENCUENTRO NACIONAL DE POESÍA

“MAREJADA”

(Centrode Atención Ciudadana)

- Apertura del Evento

(SusanaGomezjurado / Lic. Julio Guamantica)

- Exposiciones: Encuentro,Compromiso e Identidad Poética

(Javier LaraSantos – Esteban Poblete – Sharvelt Kattán – Armando Alzamora)

- Intervención Artística

- Lectura de Poesías

(SophiaFreire – Beatriz Viteri – Gabriela Vargas - Diana Tello)

- Intervención Artística

- Lectura de Poesías

(CalihRodríguez – Jacinto Fernández – Kristian Crespo – Johnny Hidalgo)

- Micrófono abierto

- Lectura del Programa

12H30 Refrigerio

13H00 RecorridoTurístico

(MuseoMegaterio – Museo Real Alto)

14H30 Almuerzos

16H00 ANCLANDO EN LA ORILLA

(RapaNui)

- Lectura de Poesías
(CristianAvecillas – Wladimir Zambrano – Felipe Mancheno –)

- Receso

- Lectura de Poesías

(RafaelMéndez M. – Tyrone Maridueña –– Giovanni Salvatore)

- Receso

- Lectura de Poesías

(JossuéBaquero – Carlos Caluquí – Carlos Luis Ortíz)

- Receso

19H00 Merienda

20H00 Presentación de obras

- Walter Jimbo

- Calos Luis Ortíz

22H30 Descanso

Viernes 9 de diciembre

07H30 Desayuno

08H30 UTE

ü Exposiciones:

- David Pérez-Garland / ArmandoAlzamora

ü Lectura de Poesías

- Sandra Ayala / Sophi Freire /Diana Tello / Gabriela Vargas / Ana Sigüenza

ü Micrófono Abierto

ü Lectura de Poesías

- Carlos Luis Ortíz / CésarEduardo Galarza / Cristian Avecillas

ü Micrófono Abierto

ü Lectura de Poesías:

- Esteban Poblete / Javier Lara /Walter Jimbo

ü Micrófono Abierto

ü Lectura de Poesías:

- Kristian Crespo / TyroneMaridueña / Rafael Méndez

ü Micrófono Abierto

08H30 EDIFICIO RIVIERA DEL MAR

ü Exposiciones:

- Edwin Johel Angulo / RoySigüenza / Wladimir Zambrano / Gabriel Cabezas

ü Lectura de Poesías:

- Eddy Paucar / Sharvelt Kattán /Calih Rodríguez / Juan Fernando Auquilla

ü Micrófono Abierto

ü Lectura de Poesías

- Beatriz Viteri / N.N. / N.N. /Sandra Ayala

ü Micrófono Abierto

ü Lectura de Poesías

- Carlos Caluquí / FelipeMancheno / Giovanni Salvatore / Jacinto Fernández

ü Micrófono Abierto

ü Lectura de Poesías:

- Pedro Feijoó / Johnny Hidalgo /N.N.

ü Micrófono Abierto

12H00 Refrigerio

12H30 Mesasde trabajo

14H00 Almuerzos

15H30 RecorridoTurístico

19H00 Merienda

20H00 Despedida

NocheSumpeña

EVENTOS: EL FESTIVAL CINE DE LA CULATA LLEGA A SU TERCERA EDICIÓN CON DOS LECCIONES DE CINE

2011-12-06T16:45:00.001-08:00

En esta tercera edición los organizadores del denominado “cine del patio trasero” traerán una retrospectiva del Movimiento Documentalista “Memoria Ciudadana” agrupación con más de 20 años de trayectoria desde sus inicios como “Gato Tuerto” Producciones.

La velada cinematográfica se la realizará el miércoles 14 de diciembre a partir de las 16h00 hasta las 22h00 en el auditorio Simón Bolívar, antes MAAC Cine. La entrada es gratuita. A la presentación de las tres tandas de productos cinematográficos le sucederán las intervenciones del galardonado documentalista José Yépez, y la ponencia “Memoria, diversidad e inclusión: “Nariz del Diablo”, una experiencia de cine político documental en el siglo XXI¨ con el avance del largometraje documental “Nariz del Diablo” a estrenarse en el primer trimestre del 2012 y “La Deuda” en proceso de producción.

El activista y catedrático Billy Navarrete y la productora Marcela Doylet, quienes también forma parte de “Memoria Ciudadana”, con la ponencia ¨La Producción Audiovisual desde los Movimientos Sociales: Hacia las Ciudadanías Audiovisuales¨ y ¨El activismo audiovisual en Guayaquil”.

Con la presentación de dos de los primeros trabajos de esta agrupación “Mar de fuego” y “Torturador y espejo”. Manuel Torres, Pablo Encalada y Pedro Villegas, organizadores de la cita fílmica, sostienen que desde sus inicios, El Festival “Cine de la Culata”, fue concebido con la consigna de generar un espacio de exhibición y tertulia del cine Guayaquileño. “Los productos casi siempre escarban en la memoria colectiva”, afirman.

ENSAYOS: LA CONTESTACION DEL SER EN EL NO-SER

2011-12-05T19:57:00.000-08:00

Por: Freddy Ayala Plazarte

A CristianAvecillas lo conozco hace unos dos años, leyendo poesía en la costa Manabita,muy cerca del cerro jaboncillo, dondeel ceibo es un místico símbolo de la antigüedad,aquel Manabí rojizo, donde unono sabe que la fuerza de un aplauso puede conducirnos a llegar a visionescósmicas, donde la gente más común y obrera puede asumir desde la poesía unmundo suyo, y tatuado en el verso.

Y más allá delPremio Nacional de Poesía “César Dávila Andrade” (Cuenca, 2010), que hace unos años recibió el libro EcceHomo (como se llega a ser lo que se es), o si vemos el significadojudeo-cristiano, Pilatos dijo a Jesús; <He aquí al hombre>, lo que pretendohacer hincapié en Cristian es su trabajocon la imagen del hombre y la mujerpara reconstruir otra imagen; afirmación del ser, y ahí está la poesía, la belleza, el cuerpo, el verso,sustituyendo la piel, el sentido del ser enla apariencia, una sublime búsqueda del sentido.

Ecce Homo, nombra el cuerpo para constatar un sentido en laexistencia; ¿Dónde, tú en el yo que teimaginas?.Ecce Homo es un espejo para condensar la materialidad del cuerpoy la legitimación del sujeto que habita en el cuerpo; un cuerpo físico y uncuerpo ausente. Imagen del silencio que habita en cada mutación hacia un final;Ya no crece el cuerpo,/Crece el fin.Yen esta premisa el cuerpo está ausente, quieto, y es la poesía la que habitael cuerpo, y entonces como lectores aventurados nos interrogamos; ¿Qué seesconde atrás de un cuerpo? ¿Quizá una suma de identidades?, o como Lacanafirmaba que en el masculino existe la feminidad y en el femenino habita una masculinidad,y el poeta nos dice; Y el poema,/ Suma demujeres fecundadas con promesas, (…)/Sótano de un hombre en donde sueña unantropófago, (…), acaso el hombre es la pulsión interminable del “ser”, esla misma ceremonia de encontrar en la mujer el enigma de lo silente.

Como señalaLyndaNead “el cuerpo femenino sigue siendo un perturbador recipiente tanto delo ideal como de lo contaminado”; Cristian idealiza el cuerpo de la mujer hastahacerlo imagen.¿Quizá el hombre necesita devorar una imagen femenina parasentir que ha devorado su propia imagen?, este libro respira en los arquetiposoccidentales del hombre, amante, trabajador, místico, conviviente, mortal,dionisíaco, social, victorioso, y al nombrar estas disciplinas masculinas constatamoslo que Nietszche decía; “Mi sabiduría ha consistido en ser muchas cosas ymuchos lugares, a la vez, para llegar a ser la misma cosa”, es posible que elhombre deba llegar a un grado femenino para contestar su propia condición en elmundo; la de “ser” a pesar de la diferencias, la de plantear la condiciónhumana de lo vivido y lo no vivido.

Porque aCristian le preocupa la condición del hombre, la preservación de una imagen enlo ausente, es ausente el hombre en la perspectiva de que ya lo nombra;Recordarás que el verso es arrancar el arteen/ donde todos pueden conservar al hombre, (…)

A veces unosiente la angustia del cuerpo en el sueño, no hay posibilidad de llegar alplacer sin el cuerpo, el poeta es un semidiosque vigila el olvido de sus semejantes; Yante ti ha dejado a un dios orgánico/ que clama la potencia de otro dios. ParaCristian el nacimiento, el génesis del deseo, está en la comunión del otro; Y le dices: Yo que toco al hombre como elarpa: /Iré a tus brazos;/ Diré nací.

Ecce Homo utiliza la metáfora para llegar al “ser”, es decirsimboliza al hombre y a la mujer para hablar de sí mismo, acaso este binario esel argumento de lo que hemos sido, sujetos deseantes, aquí hay poesíasubversivaporque edifica el cuerpo en las palabras,no es la forma del cuerpo,es el lenguaje que hace al cuerpo, así se muestra en estos versos; Toda tú en planeta en donde al hombremultiplicas./ Y la vida aún no comienza/ Y la carne aún no está escrita: /Puedes destinarme a la fragancia.

Nietzsche ensu discurso de lo humano argumenta que “Se paga caro ser inmortal. Hay que morirmuchas veces a lo largo de la vida”. Morir en el rostro del otro, moririnternamente para estar en el ocaso. Esto nos convoca a pensar en el espectrode percepciones que vivimos, además, constituye un nexo umbilical entre el“ser” físico y espiritual, sabe que la carne tiene un fin, pero también sabeque el poema es un cuerpo que no ha encontrado un fin.

Y Kantdescribía la bello como lo sublime, en el sentido ético del ser.¿Y acaso Ecce Homo traspone la imagen poética enun cuerpo poético y lo vuelve hacer imagen en la letra?, a pesar que JudithButler deconstruye la imagen del cuerpo como una imagen que cada día sereconstruye y se reconoce desde diversas identidades, Y se dicen uno al otro y al unísono: / Sembraremos las parábolas del yo/ En las tierras íntimas del tú/ Para que florezca un nosotros.

Y retorno alos versos de Ecce Homo; Y ella dice; Tu verdad será mi orgasmo. Aquíel erotismo, ha sido transgresor, porque la verdad ya no se fundamenta en unprincipio moral, la verdad se fundamenta en la cinética de dos cuerpos, porqueel cuerpo es el escenario de las heterogeneidades, el escenario del micropoder,el escenario donde acaba el silencio para iniciar otro silencio.

Esta es poesíaen la medida que evoca la necesidad del “ser”, un hombre que erotiza elsentimiento en la piel, un hombre que resuelve su angustia en el encuentro delotro, un hombre que es fluido y presencia física, pero aquí me pregunto; quésucede después del “yo”, que viene después del “otro”, y ahí responde el poeta,con el verso, aquel verso que no finaliza en la vigilia del ojo, aquel versoque continúa reescribiendo la ausencia de los cuerpos; Y le dices: Sé mujer y mira al hombre como miras al vacío./ Porque elhombre que te ha dicho la verdad/ ya se ha olvidado de sí mismo. Acasodesmigajar las palabras implica deshacer cuerpos ante el mundo.

Sin embargo; elhombre y la mujer son dos memorias mutables para representar otros cuerpos enel poema, símbolos de poder, para condensar la empatía, porque en la poética deEcce Homo la sombra de un hombre noes un hombre, es una mujer, y quizá las dimensiones reflexivas empoderan unespejo en la imagen femenina.

Eres cuerpo reemplazado por un nombre, eres cuerporeemplazado por un fin… (…), y en estos versos la palabra es la que edifica el cuerpo,sin la palabra no es posible el cuerpo, la ausencia es el resumen de loimpostergable. Y Cristian piensa en las dimensiones eróticas cuando dice; La mujer cuando ama es inexplicable/ Elhombre que ama es animal. Si el hombre es pulsión, instinto, angustia,estamos, entonces, ante una mirada antropofágica que también necesita devorarla imagen para poder devorar el cuerpo.

Más aún; elbestiario que constituye al “ser”, la animalidad, principio de un encuentrocaótico, pero esencial; Animal que soloentiende la belleza entre las sombras, una barbarie que emerge en unespacio marginal, donde el ser no vocifera, donde el ser se contesta en la medida que se interroga.

Y finalmenteen EcceHomo hemos empoderado laimagen del hombre como un perpetuo agente de la palabra, como un inquietoarquitecto del lenguaje; Poeta, Criarásen el lenguaje tu retrato, acaso después del cuerpo el “ser” necesita serimagen, necesita; inventar la carne dondeno hay persona, es más fuerte la percepción que lo no-vivido, porque elhombre no puede llegar al extremo del silencio sin su semejante; la mujer.

Cristian haslogradoresponder al ser, desde la vulnerable temporalidad del mundo.Ecce Homo, es un libro donde olvidamosal cuerpo y retornamos al “ser”, un poemario sutil, prosaico, reflexivo,filosófico,donde se eliminan los esqueletos y se construyen formas poéticas conla letra, y la piel es el registro de un tiempo, donde uno se queda interpelando:qué grado de masculinidad o feminidad habita en cada “ser”.

MI PADRE EN LAS RIELES DE SUMPA

Por: Paúl Puma

Dice Martin Heidegger en La cosa: “Loterrible (Entsetzende) es aquello que saca a todo lo que es de su esenciaprimitiva. ¿Qué es esto terrible? Se muestra y se oculta en el modo como todoes presente, a saber, en el hecho de que, a pesar de haber superado todas lasdistancias, la cercanía de aquello que es sigue estando ausente”. Algo así sepuede vislumbrar en Mi padre en lasrieles de Sumpa de Freddy Ayala Plazarte. Es innegable esa ausencia que trastocaal lector cuando se ha culminado la lectura del libro, como decía Octavio Paz:el poema empieza cuando acaba el poema.

La poesía se nos manifiesta como un objeto. Un objeto que se emplazafrente a nuestros ojos: Creep: eltérmino en inglés se acerca a la noción de un talud que se ve sobrecogido,abatido y al final arrastrado sobre sí mismo y deviene en esa nada prodigiosa que busca el cantovoluntario del que recuerda, del que recoge restos de la memoria: tulipanesflorecientes, bebederos de miel, visiones en fuentes subterráneas, néctares, dejavu, desde las postrimerías de la palabra, cito: “ el cuaderno de aves, elabrigo para los mastodontes donde fósiles del megaterio guardaron absolutamemoria…” subráyese esta última palabra, pues tiene el propósito de redimir.

Heidegger, el maestro, dice: “¿Será que la cosa no se ha acercado aún lobastante para que el hombre haya aprendido a prestar atención de modosuficiente a la cosa como cosa? ¿Qué es la cercanía? (…) El acoger necesita delvacío como de aquello a lo que acoge. La esencia del vacío que acoge estácolocada en el escanciar (obsequiar). Pero el escanciar es algo más rico que elmero verter hacia afuera.”

Heidegger está loco pero en su locura atisba a decir algo importante: sehalla riqueza, diamantes de bruma, aloe, en la entrega del texto, cito:“Mientras mi padre temía a la pala de un celador / sus ropas manchadas detierra y la escarcha de mis ojos desdibujaban pelusas / yo iba al puente deágata / cargando un par de imágenes con el frío en las encías / para encontrar/ las proporciones de mi infancia / dedicado a contemplar / la desgastadacolumna de un anciano”: Freddy nos ofrece la figura de su padre con laintención de volverlo más que un personaje en fruición, en fundido con lasustancia poética, cito: “a mi padre ya nadie interrumpía el sueño/ solo yo eraquien despilfarraba su nombre / en el labio de un hacha / solo yo pretendía /desempolvar la arcilla de un maniquí / y aferrarme a su resbaloso plástico”.

Freddy ha recogido el icono clave de su padre y el imaginario plagado deancestros de Sumpa (simbiosis de nuestras regiones del país) para conjugar unpoema dividido en doce partes donde desnuda su propuesta poética como una suertede “(paréntesis cósmico)”. Al final colgamos como él “anaqueles en elsilencio”, nos consolamos con “huérfanos peces”, buscamos “los horizontes denuestras inexorables almas en el espejo”, hurgamos en el génesis de lamelancolía” para colocarnos ante el hito: uno, aquel donde radique nuestraidentidad y se premie a aquella antigüedad del fuego que los escribientesbuscamos con honda desmesura.

Con el libro que nos ha congregado aquí, Freddy Ayala irrumpe en la Literatura ecuatorianacon la inteligencia y sencillez necesarias para ocupar un lugar en la actualpoesía joven del país. Él ha hecho al contrario de algunos advenedizos que nisiquiera empiezan y ya se creen literatos-paradigma, literatos-canon, literatos-academia,literatos-crítica, literatos siquiera y pretenden emerger acabando con losotros –craso error del que tantas veces habló nuestro maestro muertoJorgenrique Adoum– o arrimándose a modas como el neobarroco, con una escriturasintomática, automática, críptica y estúpida que se pervierte a sí misma o quese autoflagela o que comparte con los demás su absurdo por el absurdo. Ojaláfuese por el neobarroco per se, nisiquiera es por el movimiento de la escritura, tiene que ver con el factorhedónico que anima a algunos de sus autores, por ejemplo con la presentación desus premios locales como si fuesen nacionales más allá de la frontera o laexperticia en el marketing y las relaciones públicas. Aquello contrasta con lacreación seria y comprometida con la palabra de Plazarte que expresa comoprincipal mérito la responsabilidad frente al contenido –decidido– y la forma–consecuente– desde sus inicios en este oficio tan difícil pero tan compensadoral mismo tiempo.

A Ayala lo conocí cuando tuve la oportunidad de prologar La metálica luminosa: un ensayo suyo acercade Hugo Mayo, ahora tengo el gusto de presentarlo a él y a Mi padre en las rieles de Sumpa.Antes, como hoy, le deseo a Freddy el éxito verdadero que quizá radicaen la conquista del que considero es un sinónimo de la palabra la palabraéxito: la humildad: el fulgor y la superación del propio yo. Después de habermeacercado a su literatura sé que tiene el talento para eso y mucho más.

Gracias.

Lunes, 27noviembre 2011

MÁS DETALLES SOBRE EL FESTIVAL DE LA LIRA 2011

2011-11-29T13:28:00.001-08:00

Ver videos relacionados a este importante evento

PREMIOS GANADORES DEL FESTIVAL DE LA LIRA 2011

2011-11-27T23:36:00.001-08:00

TEXTO Y FOTO TOMADOS DE DIARIO EL UNIVERSO

EDICION 26 DE NOVIEMBRE DEL 2011:

"El galardón Lira de Oro –entregado por la Fundación Cultural Banco del Austro–, más 30 mil dólares y la reedición y publicación local del libro El eco de mi madre fue lo que logró la poeta argentina Tamara Kamenszain al convertirse en la ganadora de la tercera edición del Certamen de Poesía Hispanoamericana Festival de la Lira.Mientras que el escritor guayaquileño Ernesto Carrión, por su obra Fundación de la niebla, alcanzó un reconocimiento económico de 5 mil dólares al atribuirse la mención Ilustre Municipalidad de Cuenca.

El jurado formado por Fernando Balseca, Arturo Carrera, Minerva Villareal, Galo Torres –en reemplazo de Raúl Zurita– y José Kozer, quien lo presidió, sesionaron el 20 de noviembre y argumentaron las cualidades de las obras ganadoras.

Del poemario de Kamenszain dice el veredicto que es una “obra de admirable concisión y sobriedad, que se enfrenta con lucidez de lenguaje, pensamiento y visión poética, primero con la muerte y luego con la enfermedad más moderna y terrible que concebirse puede, el alzhéimer”.

Y la ganadora confirmó que su obra no es una crónica autobiográfica suya, ni del proceso de enfermedad de su madre, ni tampoco la ficción de algo que no ocurrió, ni la narración de una mezcla de los dos géneros, “más bien es la transmisión de momentos, imágenes, restos, voces, por eso se llama el eco, voces de un lenguaje que se distorsionó por una enfermedad y después la muerte”, dijo.

El presidente del jurado, José Kozer, argumentó las características de la obra del ecuatoriano Carrión que mereció la mención. Dijo que es una “obra que sostiene página a página un ritmo feraz, donde la densidad está al servicio de un lenguaje inestable que va pautando unas bruscas intensidades y tensiones que amenazan con la destrucción y que, sin embargo, enfrentándose con la dificultad de tener que fundar en la niebla, arman toda una construcción, y toda una visión que nace del pensamiento poético”.

Carrión escribió este libro en el 2007 y afirmó que la obra es un diálogo del autor con su propia cabeza, tratando de decir que no es un libro, sino simplemente la búsqueda del autor dentro de ese libro y el enfrentarse a la página en blanco."

2011-11-27T23:14:00.001-08:00

EVENTOS

IV FERIA INTERNACIONAL DEL LIBRO DE QUITO FILQ’2011

Dentro del marco de La feria de las identidades en el Centro de Exposiciones Quito del 25 de noviembre al 4 de diciembre se daran las presentaciones de dos magnificos libros de la nueva poesia nacional

LUNES 28 DE NOVIEMBRE

Auditorio ICAPI

10h00 a 11h00

Mi padre en las rieles de Sumpa - Freddy Ayala Plazarte

Presenta: Paúl Puma

Domo 1

12h00 a 13h00

ECCE HOMO II- Cristian Avecillas

Presenta: Freddy Ayala Plazarte

2011-11-16T20:55:00.001-08:00

EVENTOS

POESÍAS VIVAS

Ilustracion: Luiggi Raffo

Lugar: Manso Boutique HostalMalecón 1406 entre Aguirre e Illingworth, 5934
Fecha: Viernes 18 de Noviembre del 2011
Hora: 21:00Premiación del concurso

Poesías vivas para jóvenes menores de 21 años que tiene como objetivo fundamental la difusión de la poesía no publicada en la Ciudad de Guayaquil.

En este evento se difundirán ejemplares de Palabras Carnívoraz : Antología de Poesía e Ilustración Latinoamericana por la Editorial Cartonera Dadaif. Además de la participación de los músicos Lucía Indher, Boris Bo y Fabrikante

2011-11-16T09:44:00.001-08:00

EVENTOS

PROYECCION DE “Pies en el escenario” de Eric LEGAY

El próximo jueves, 17 de noviembre de 19:30 a 22:30 en el auditorio de la AF Principal (Hurtado 436 y José Mascote) se presenta el documental "Pies en el escenario" Reflexiones y exploración del vocabulario corporal del hip-hop y lo contemporáneo a través del trabajo de la Compañía Black Blanc Beur. La película de Eric Legay muestra las búsquedas, los ensayos y fragmentos de la obra "Si je T´m".

El foro a continuación será conducido por Lcda. Carolina Pepper, bailarina y coreógrafa independiente.

ENTRADA LIBRE

TALLER DE TÈCNICAS Y ESTRUCTURAS LITERARIAS

¿Te interesa la escritura literaria? Tal vez tienes una idea que no logras plasmar...Si es así este es un taller especialmente diseñado para darte todas las herramientas técnicas necesarias para crear historias de ficción y poesía. En el taller no solamente aprenderás a escribir sino que leerás fragmentos de entrevistas con escritores, textos de ficción y poéticas de autores universales.

Instructor: Marcelo Báez

Información e Inscripciones en talleres@casamorada.net/www.casamorada.net

ENSAYO

SOBRE CUADERNOS DE INDIANA

Por: Mario Arteca

1. A diferencia de cómo operan otros poetas, Luis CarlosMussó trabaja desde un continuum, o para decirlo en términos plásticos, un all over. Algunos de los textos de estaobra pueden verse como series de mixturas, trazando una lengua extranjera comorecodificación de la propia. En la escritura de Mussó se percibe la huella deun destello, que no se formula como misterio, sino como una manera peculiar deadministrar el secreto. Cuadernos deIndiana no alude –como determinara cierta vez D. Shapiro- al “peso del sinsentidocotidiano”; aquí hay una construcción de la imagen que sobrevuela elacontecimiento que se afianza como instauración de una realidad ficcional. Cuadernos de Indiana entabla un puentede discusión con las fórmulas de Sarduy. Las diferencias que podríamos estableceres que Mussó problematiza, y al mismo tiempo recobra para la poesía, sucarácter improcedente. Donde Sarduy rescribe la vanguardia, Mussó la vuelve unnudo paradojal, pero lírico, que es su marca incontrastable. Cuadernos de Indiana es un constructotamizado para resistir la crueldad camuflada de nostalgia. Nos propone eludircon la palabra cualquier rastro de reconocimiento del devenir poético, deldevenir-poema, partiendo de la superficie con el bajorrelieve, es decir, en losdominios de las profundidades. ¿Qué otra cosa será “descifrar el hueso de lasombra”; “llegar a los hedores erectos de la resurrección”, o bien, describirla precipitación de una “zarza agrandada de negrura que oscurece el aislamientode la Voz”? Construcción, así, decíamos; una casa que a la vez es refugio yruina, y donde el centro de la razón está sujeto a la intervención de unasintaxis en permanente saqueo y restauración. Aquí la Cipango, la Bizancio deMussó; una Indiana que se muestra adulterada por la irrupción demoledora de unorden tan estricto como asfixiante: el régimen del sentido. Donde se quiebra elsentido, empieza el estilo (Gilles Deleuze habla del estilo como de la puestaen funcionamiento de la lengua extranjera en la lengua), lo que significallevar al límite la escritura allí donde no habrá otra cosa que silencio, omejor, su afuera.

2. Siempre creí que al igual que los mitos, la poesíafunciona como el modelo de todas las obras de arte. La idea consistiría enquién traduce el sueño antes de la vigilia. Siempre supuse que esa tarea estabadestinada a un escritor, pero no para cualquier escritor, sino uno cuyahabilidad segunda fuera la poesía. Primero escritor, después poeta. Perodespués de leer Cuadernos de Indianacaigo en la cuenta de que estas formulaciones pueden disponerse de otra manera,porque la capacidad mostrada por Mussó está en las desviaciones de una líneadinámica que encuentra su estructura en la sintaxis en pleno movimiento. Serámejor decir que estos textos forman parte de una ceremonia, de un ritual velozcon que el poeta nos ofrece sólidos conjuros, en donde la lengua por momentosextranjera, recala en la lengua de la escritura. Mussó conquista el estilo. Yel estilo no es un don (la poesía está lejos del don, de la intervenciónexógena a favor, otra vez, de la habilidad) sino un mecanismo en serieconquistado por el trabajo del lenguaje. La escritura es la versiónarquitectónica de una forma cuyo sentido se expresa en el relieve de la imagen.Cuadernos de Indiana se promuevedesde ese sitio y desde allí pivotea en márgenes ambiguas. Por eso Mussó logradarle funcionalidad al habla poética (habla, igual a movimiento pélvico de laoralidad), y así sostiene la doble incautación para el poema: la imagen y lareferencialidad a favor de esa imagen. Cuando pone a orbitar a Vlad Tepes enlas dos series de “monstruos”, el poema cae vampirizado por su propia lógica deconstrucción, y por ese motivo nos ratifica esa “fuga a la intemperie” de laque refiere el texto. La intemperie, pequeña y fugaz figura de la página enblanco, lista y preparada para esos flujos de las “navajas sobre los charcos delodo”. Sombras en el cuerpo; tatuajes en un extraño rizoma de trazado arácnido,es el sueño donde la escritura de este libro amplifica la palabra, y en esaeficacia, repetimos, el estilo está garantizado.

2011-11-12T20:16:00.001-08:00

Eventos

Ministerio de Cultura y Ministerio Coordinador de Patrimonio conmemoran las luchas del 15 de noviembre

El Ministerio de Cultura a través dela Subsecretaría Regional, Dirección Provincial del Guayas yDirección Cultural Guayaquil, desarrollarán este martes 15 denoviembre la Acción Memorial LAS CRUCES SOBRE EL AGUA, PERFORMANCEINTERACTIVO de Hernan Zuñiga a realizarse en homenaje póstumo a los caidos en lamasacre del 15 de noviembre de 1922 depositando ofrendas de cruces enel cauce del río, Guayas.

AGENDA: MARTES, 15 DE NOVIEMBRE DE 2011

11:00: Entrega del "Juicio penalcontra los trabajadores", a raíz de los sucesos represivos del15 de noviembre de 1922, por la Dra. Ketty Romo-Leroux; ypresentación de la segunda edición de la obra "15 de noviembrede 1922, Proceso Penal contra el Pueblo de Guayaquil", autoríade Ketty Romo-Leroux e Isabel Herrería. Lugar: auditorio "CamiloDestruge", del Archivo Histórico del Guayas.

12:00: Intervención de diversos gruposartísticos de la Ciudad. Lugar: Plataforma del MAAC (Malecón yLoja).

13:00: Exposición “Cruces sobre elagua”, testimonio fotográfico del proceso de intervenciónperformático, a cargo de Trilce Zúñiga. Lugar: Plataforma delMAAC.

15:00: Concentración de lasdelegaciones de las organizaciones de trabajadores, artistas ypúblico general, para la romería hacia la plataforma del MAAC.Lugar: Plaza San Francisco (Pedro Carbo y Nueve de Octubre).

16:00: Performance interactivo “Lascruces sobre el agua”, a cargo del artista plástico HernánZúñiga, para la colocación de las cruces sobre la ría. Lugar:Muelle del MAAC (Malecón y Loja).

17:00: Programa radial “Las crucessobre el agua”, elaborado por la Radio Pública del Ecuador,colabora Ministerio de Patrimonio (habrá entrevistas sobre elacontecimiento histórico y, una representación escénica de la obrade Gallegos Lara). Lugar: Auditorio del MAAC.

Este evento revela el espíritu luchador del pueblo ecuatoriano, destacándose la jornada bautismal de la clase obrera en esa fecha, cuando en las calles de Guayaquil una multitud de artesanos, obreros y pequeños comerciantes exigió el cumplimiento de las obligaciones laborales de sus patronos, recibiendo balas asesinas que únicamente lograron fortalecer el empeño de nuevas ideas revolucionarias.

La obra, que se basa en el libro de Joaquín Gallegos Lara “Las Cruces sobre el Agua”, será contada por Guayaquil y su gente como una remembranza de esos trágicos hechos ocurridos hace 89 años con la muerte de obreros ecuatorianos.

En el evento gratuito, participan actores guayaquileños con una reconocida trayectoria en el mundo artístico, televisivo y radial.

Asimismo el Ministerio Coordinador de Patrimonio realizará el lanzamiento de dos libros: El Artesanado en Guayaquil: Gremios, Sociedades Artesanales y Círculos Obreros (1688-1925); y Patrimonio Arquitectónico de los Gremios de Guayaquil, de la autoría de dos reconocidos historiadores guayaquileños: Ángel Emilio Hidalgo y Claudia Peralta, respectivamente.

Mediante estas obras, que representan una amplia investigación, esta Cartera de Estado busca revalorizar el patrimonio cultural de los gremios y sociedades artesanales de la provincia del Guayas, particularmente de la ciudad de Guayaquil y cumplir de esa forma con una de sus principales metas: la recuperación de la memoria histórica del Ecuador.

2011-11-06T01:21:00.000-07:00

ENSAYO
DE LA CRÓNICA DE FÚTBOL COMO UNA DE LAS BELLAS LETRAS

Por: Marcelo Báez Meza

«El fútbol es lo más importante de lascosas sin importancia», escribió Jorge Valdano, jugador argentinomuy conocido por sus dotes literarias al que hemos convocado para abrir estepartido en el que juega por un lado la crónica y por el otro la literatura.

El fútbol le ha regalado al lenguajecotidiano una serie de términos que hoy son de entendimiento universal: córner,penalti, saque de meta, foul, centro forward, back central, saque de banda…Pero también se le agradece al balompié frases con cierto matiz lírico como lassiguientes: la pelota infla las redes obesa la línea de meta, se la metieron en el rincón de las ánimas o donde crecen las arañas, el cancerberoatajó el balón que iba camino a las redes.

La poderosa imagen del can de tres cabezasnos lleva a toda una terminología que usa recursos metafóricos de connotacionesbelicistas. El cañonazo que rompe lasredes. Tal jugador se prepara para fusilar al arquero. El rival es el enemigo.El director técnico es un general. El cuerpo técnico son los lugartenientes. Laoncena es el ejército. En resumen, figuras literarias al servicio de un juegode pelota. Y el esférico una metáfora del orbe, del globo, o si se quiere irmás lejos, del sol.

En este ensayo intentaremos explicar porqué el fútbol atrae a escritores como Kenzaburo Oé, RobertoFontanorrosa, Camilo José Cela, Alfredo Bryce Echenique, Rafael Alberti,Roberto Bolaño, Miguel Delibes, Fernando Alegría, Mario Benedetti, NaguibMahfouz, Horacio Quiroga, Borges, Bioy Casares, Vladimir Nabokov, Augusto RoaBastos, Ernesto Sábato, Umberto Eco y Ryszard Kapuscinski, entre tantos otros.No hablaremos de ninguno de los autores acabados de nombrar. Proponemos unbrevísimo recorrido por los siguientes nombres: dos españoles: Manuel VásquezMontalván y Javier Marías; un argentino: Jorge Valdano; un inglés: AlistairMcLead; un mexicano, Juan Villoro; y dos sudamericanos: Osvaldo Soriano yEduardo Galeano. Ese trayecto termina con el estudio a fondo de los casos deGalo Mora Witt y Esteban Michelena con sus respectivos libros sobre fútbol.

Fue Mario Vargas Llosa quien dijo que la crónica de fútbol debía serconsiderada como un género literario. Al Premio Nobel de Literatura le llamabala atención la forma de hablar de ciertos relatores deportivos. Ponderaba en unnarrador radial la forma en que calificaba a Jean Marie Paff, arquero de laselección belga. «Tiene mirada de agrimensor», asegura el peruano haberescuchado y añade que el apellido del guardameta parece la onomatopeya de unacachetada: Paff.

El compilador de estos apuntes sobre fútbol y literatura asevera haberescuchado de un narrador mexicano la siguiente perla literaria: «La pelotadibuja un signo taquigráfico en la eternidad para irse a las piolas», apropósito de un gol del brasileño Nelinho en el mundial del 78. Lo que síomitiremos son las parrafadas de Roberto Bonafont, comentarista local, que nosiempre son felices.

Vargas Llosa, socio honorario del Universitario de Deportes, también hafirmado que «el fútbol es una religión laica; antes, solo las religionesconvocaban esa especie de manifestación irracional, colectiva; hoy en día, esoque antes era prototípico de la religión es la religión laica de nuestrotiempo». El escritor español Manuel Vásquez Montalván también piensa que elfútbol tiene un gran culto global. Por esta razón reúne sus crónicas de fútbolbajo el título Una religión en busca de un dios. El novelista mexicano Juan Villoro va porel mismo camino cuando titula a su selección de artículos sobre fútbol con eltítulo de Dios es redondo. ¿En qué se parece el fútbol a Dios?, preguntaGaleano y él mismo se responde: «En la devoción que le tienen muchos creyentesy en la desconfianza que le tienen muchos intelectuales».

Haciendo un poco de historia, buceando en los anales de la literaturatenemos a William Shakespeare y La comedia de las equivocaciones dondehace que el criado Dromio se queje a su señora Adriana de esta forma: «¿Porhablar sin tantas vueltas me pateas como si fuera un balón de fútbol? Tú melanzas de acá para allá y él me lanza de allá para acá. Si sigo sirviéndolos,me tendrán que forrar en cuero». Años después acuñó en El rey Lear elsiguiente diálogo:

OSVALD.- No permito quenadie me pegue, señor.

KENT.- (echándole lazancadilla y tirándolo al suelo). Ni que te echen la zancadilla, mal jugador defútbol.

Estos comentarios peyorativos deShakespeare se basan en el hecho de que el fútbol en un primer momentohistórico incluía entretenimientos para plebeyos y campesinos en contraposicióncon los divertimentos de los nobles y aristócratas que preferían usar elcaballo en un juego que luego se conocería como polo.

Albert Camus, quien llegó a ser arquero del Racing Universitario de Argel,afirmaba lo siguiente en un artículo:

…después de muchos añosen que el mundo me ha permitido variadas experiencias, lo que más sé, a lalarga, acerca de moral y de las obligaciones de los hombres, se lo debo alfútbol.

Inusual declaración de un filósofo individualista que creía en un juegocolectivo como el balompié. La tuberculosis, que lo atacó a los diecisieteaños, le impidió jugar en el fútbol profesional que era una de sus grandesaspiraciones.

Eduardo Galeano es el que mejor ha literaturizado el fútbol en Sudamérica.Su libro publicado en 1995 se erige como un catálogo totalizador de los temasmás importantes del llamado deporte rey. A ratos parece un conjunto de poemasen prosa sobre jugadores, mundiales, goles de partidos específicos. De Romarioapunta la siguiente prosopopeya: «Venido desde quién sabe qué región del aire,el tigre aparece, pega su zarpazo y se esfuma». Para Maradona usa un juego depalabras: «Jugó, venció, meó, perdió». Para hablar de Garrincha usa más figurasliterarias: «Cuando él estaba allí, el campo de juego era un picadero de circo,la pelota un bicho amaestrado, el partido, una invitación a la fiesta».

La furia española:Marías y Montalván

En España brillan dos nombres importantes: Manuel Vásquez Montalván yJavier Marías.

Este último eximio novelista ganador del Rómulo Gallegos con Mañana en la batalla piensa en mí. En sulibro Salvajes y sentimentales reúnesus textos sobre fútbol cuyo rito dominical es llamado «la recuperación semanalde la infancia». Aparte de los recursos poéticos el estilo de Marías es únicoen la crónica futbolera por tener un humor centelleante y un desparpajo sinanestesia. Aquí van algunas joyas.

La patética avioneta en la que incurre Romario a veces(…)

El nigeriano Yekini entonando cánticos con los brazosa través de la red que acaba de perforar, como si fuera un preso anhelando lalibertad más allá de las cejas (como nos descuidemos, Benetton nos hará unanuncio con eso).

No hablemos del mexicano Campos, vestido deSuperratón, ni del paraguayo Chilavert, con su cabeza de matón en la otrapuerta, ni de aquel Higuita colombiano salido de Los tres mosqueteros.

El actual portero francés, Barthez, invita a vejarlo.Y lo peor no es su calva estudiada, ni su perilla milimetrada, ni su estiloaspaventoso. Lo peor es ese jersey de manga corta y volátil que se gasta.Parece un existencialista de verano y chiste, bufón o esbirro de aquel ente deinvierno, Beauvoir-Sartre.

(Ronaldo) no es inteligente; o quizá no piensa, sóloactúa, y sin saber esperar. Sólo los papanatas lo pueden comparar con DiStéfano, Pelé, Cruyff o Maradona. O con Van Basten. O hasta con Romario (…)

La militancia de hincha del Real Madrid es tan exagerada a veces en Maríasque se permite escribir de manera salvaje y sentimental contra el directortécnico José Mourinho. Prueba de esto es el siguiente extracto de «Un chamán deferia» que publicó Marías en El País el 15 de mayo del 2011:

Un individuo que no sabe de fútbol y al que el Madridle trae sin cuidado, que no tiene reparo en traicionar su centenaria tradicióny en arrojar sobre él una mancha que se hará difícil borrar. Su Madrid es unequipo con buenos jugadores a los que manda jugar feo y mal; con excelentesatacantes a los que, en los partidos cruciales, no permite atacar; confutbolistas honrados -la mayoría- a los que obliga a comportarse deshonesta obrutalmente en el césped, como si estuvieran en los más broncos Sevilla,Valencia o Atlético de Madrid de sus respectivas historias (…)

El 17 de octubre de 2010 ya había arrojado contra el entrenador portuguésuna serie de dardos. El título de la columna lleva por título «El triste que locontamina todo».

(…) es triste, casi cenizo (…) Que se pueda considerar“glamuroso” a Mourinho rebasa los límites de mi comprensión. Un hombre con unsempiterno gesto agrio y un injustificado desdén en la mirada; de unapersonalidad tan gris como sus feos trajes (en España se cree, extrañamente,que mostrarse avinagrado equivale a poseer una “personalidad fuerte”); queansía la notoriedad y se complace en ella como si fuera un acomplejado o eljurado malasombra de todo concurso televisivo. Todo eso hace de él una figuradeprimente y triste y poco inteligente, y lo peor es que esos atributos se loscontagia a los jugadores.

En su libro Marías, que es hincha del Real Madrid, menciona en algunasocasiones a Manuel Vásquez Montalván, que es hincha del Barcelona. Esto nosobliga a ir a otro libro español.

Fútbol: una religión enbusca de Dios son 108 textos que oscilan entre la crónica y el ensayo. El libro contieneun recuento histórico de la rivalidad entre el Barcelona y el Real Madrid. Unasección completa la dedica al equipo azul grana, otro bloque va por el equipoblanco y una tercera parte se concentra a los enfrentamientos clásicos entre ambosgrupos. Retratos más que logrados son los que se leen en las primeras páginasen las que encontramos a Maradona, Ronaldo, Ronaldinho y Beckham.

Ariel y Calibán

El caso del poeta Alistair Reid (Escocia, 1926) es importante como ejemploen lengua inglesa. Colaborador asiduo del New Yorker y The New York Review ofBooks, traductor de Borges, Neruda y Mutis, tiene un libro titulado Ariel y Calibán publicado en 1994. Setrata de crónicas sobre los mundiales de Inglaterra 66, México 70, Alemania 74,Argentina 78, España 82 y México 86. «Yo amo el fútbol», escribe el poeta,«tanto jugarlo como observarlo –su ausencia de adornos, su elegancia formal,ese éxtasis tipo zen que ocasionalmente provoca-, e incluso el estridente ir yvenir de ese juego en el lote vacío lograba trascender el polvorientoescenario». Aquí van unas cuantas perlas de este poeta escocés. De Gerson, estrella brasileña de México 70, dicelo siguiente: «un jugador grueso y un poco calvo que controlaba la mitad delcampo y a quien sus compañeros le pasaban la pelota como si fuese una ofrenda».De los porteros dice que «son los solistas del fútbol». Sobre el amontonamientode gente en la cancha cuando el árbitro pita la conclusión de la final Brasilversus Italia en México 70: «Era difícil distinguir a los jugadores y temimosque algunos de ellos hubiesen sido secuestrados como recuerdos (…) La multitudse deshizo entre la lluvia, sin saber muy bien qué hacer consigo misma».

Jorge Valdano, el futbolista-escritor

Si el escritor Marías es hijo del filósofo Julián Marías, es inevitable traera colación al argentino Jorge Valdano, apodado el Filósofo del fútbol que sedesempeñó como director deportivo del Real Madrid hasta que fue expulsado porMourinho. Estamos ante un caso sui géneris en el que la literatura nace delvientre del fútbol: un jugador que funge de escritor aunque él lo niegue cadavez que puede. En una entrevista que le hace Juan Villoro apunta lo siguiente:

El verdadero intelectual se dedica al pensamiento, noal fútbol. Yo he estado siempre en el mundo del fútbol y por eso me siento conderecho a hablar del tema, pero no tengo derecho a considerarme un intelectual,un psicoanalista o un catedrático. Tampoco un poeta, como se dice por ahí paraacusarme.

Villoro le recuerda que una pancarta en el estadio decía «Fuera, filósofo».A lo que Valdano contesta:

Imagínate lo que debe haber pensado algún filósofo deverdad que tal vez estaba entre los cien mil espectadores.

Valdano se especializa por su ingenio, suagudeza y la descomunal capacidad que tiene para dejar frases tan contundentesy de gran belleza. Jorge Herralde, director editorial del sello que lleva suapellido, solía decir (esto lo cita Villoro) que el argentino «habla como si yalo hubieran editado». Entre las mejores frases de Valdano cogidas al azar desus declaraciones ante cámaras de televisión están las siguientes: «Jugar contra un equipo que se defiende es comohacer el amor con un árbol». «Romario es un jugador de dibujos animados», «Hago esfuerzos para no compararlo con Maradona,pero Messi no ayuda».

De su libro Los cuadernos de Valdanohemos recogido las siguientes perlas.

Leer un libro no sirve para jugar mejor alfútbol ni jugar un partido sirve para hacer mejor literatura.

Sobre un partido del Liverpool comenta que le gustó tanto que le dejó unasonrisa que duró noventa minutos.

A Zinedine Zidane lo llama un «falso lento» en un retrato memorable.

Grandote y pesado, parecía poco apto para laelectricidad descerebrada del nuevo fútbol. La pregunta era cómo haría unelefante para moverse en un terrenito poblado por una fauna voraz y un pocohistérica; la respuesta es simple y vieja: pensando antes que los demás. Hay untipo de jugador que siempre está donde debe, que siempre lleva un movimiento deventaja, que siempre resuelve con simplicidad; que siempre, en definitiva,encuentra la solución antes de que llegue el problema. La aparente lentitud esuna mentira del cuerpo, el disfraz que usan los que tienen la velocidadescondida en la inteligencia.

El caso Villoro

En México, otro novelista tan serio como Marías e hijo de un español,escribe sobre fútbol. Su libro se titula Dioses redondo. En las primeras páginas habla sobre el equipo Necaxa y seproduce un pincelazo poético sobre Álex Aguinaga: «ese gladiador cansado querespiraba con la boca abierta, arrastró a los suyos a un título en el que yanadie creía».

El libro de Villoro tiene dos crónicas valiosas sobre mundiales de fútbol:una sobre el de Francia 98 y otra sobre el de Corea-Japón 2002. Unaconversación en dos tiempos con Jorge Valdano: una en Madrid y otra en México.Contiene además un análisis sobre la liga española y tres textos cobijados bajoel título de «Vida, muerte y resurrección de Diego Armando Maradona».

El caso Soriano

En Argentina está el caso de Osvaldo Soriano quien en su libro Piratas, fantasmas y dinosaurios tienenueve narraciones agrupadas bajo el título «Goles a favor, goles en contra».Los textos de Soriano destacan por dar voz a los héroes locales, a esosjugadores desconocidos de equipos pequeños del mar del Plata.

En boca de Peregrino Fernández, Soriano hace una analogía entre fútbol yvida:

Había pensado en un manual que traslade las enseñanzasdel fútbol a la vida de todos los días, pero no sé si podrá ser. En algunospaíses mojigatos la gente vive colgada del travesaño; en los pretenciosos seadelantan tanto que terminan apuñalados de contragolpe.

LAS DOS M DE ECUADOR: MORAY MICHELENA

En Ecuador hay dos nombres fundamentales en la crónica de fútbol: Galo MoraWitt con Un pájaro redondo para jugar (2002) y Pase al vacío (2010) de EstebanMichelena. El primero proviene de la música popular, con estudios deLiteratura, Derecho y Antropología. El segundo es un cronista empedernido,ganador de tres Premios Jorge Mantilla Ortega, el máximo galardón periodísticode nuestro país.

UNPÁJARO REDONDO PARA JUGAR

Un pájaro redondo para jugar de 287 páginas de Galo Mora Witt (Loja,1957). 22 textos, 111 notas a pie depágina, 100 fuentes bibliográficas consultadas, un centenar de citas de granriqueza literaria y futbolística, hacen de este libro una monografía sobre ese«pájaro redondo para jugar».

Viñetas biográficas abundan en este libro. Unafotografía de Alberto Spencer en una peluquería da pie para hacer un recuentode la vida de Cabeza Mágica, como se le apodaba al ex jugador de Peñarol. En lacrónica titulada Usted no es nada, ya no es usted se da vida a Garrincha. Enotra se narran los momentos estelares de la carrera de Alfredo di Stéfano. AdelanteUniversidad es un canto de admiración a Polo Carrera, el único ecuatoriano queaparece en la Revista Calcio entre los mejores jugadores del siglo XX. Morir enBudapest es una nota necrológica de Ferenc Puskas, gran jugador de mundiales.Otro obituario, esta vez de tipo colectivo, se da en honor del equipo AlianzaLima en el texto titulado Alianza en el mar. En Vinicius y Pelé se hace un inteligentecontrapunto entre el poeta De Moraes y el diez de la selección brasileña.

África nuestra es una etnografía en la que seanaliza in situ la problemática del fútbol de ese continente.

La hora radial constituye una mirada nostálgicaa los narradores radiofónicos de partidos de fútbol.

Muchos narradoresdeportivos son capaces de crear los Glíglicos con los que Cortázar nosdeslumbró en Rayuela. No hay, por cierto, ninguna intencionalidad literaria.Sucede, simplemente, que al remendar y arracimar vocablos, se tejencomposiciones irracionales, salvando a algunos cronistas pasionales de estos yotros lares. Aquella obsesión por estar al frente de la noticia, al lado delgoleador, con crispados nervios, ha llevado a algunos locutores a convertirseen auténticos voceros de sucesos que a nadie importan.

En este mismo texto se refiere la siguienteanécdota sobre el comentarista radial Carlos Efraín Machado.

Un cantante, bastantemaltratado por el consumo de la cocaína, había sido invitado para participar enuna celebración de aniversario de la Nueva Emisora Central. Dedicó uno de lostemas musicales al público y visiblemente desubicado dijo, con supuestacertitud: “La canción que ahora les ofrezco se llama Cantares, con música deJoan Manuel Serrat y letra del poeta Machado... de Carlos Efraín Machado.

La máquina etimológica del escritor lojanoabunda en lo didáctico. Por ejemplo aquello de que el vocablo canchaproviene del quichua y significa «campo, espacio abierto». En el capítulo V, «Di Stéfano y la abuela»conocemos el origen de la palabra atorrante. Los inmigrantes europeos quellegaban a Buenos Aires se escondían o dormían en unos grandes tubos destinadosa la construcción de cañerías. Los tubos en cuestión tenían una inscripción delcatalán que los fabricaba: A. Torrant. «Cuando los hijos de la diásporallegaban a pedir trabajo, los capataces decían: éste es un A. Torrant».

Mora cita a Simón Espinosa en el capítulo XX,«Los poetas del gol», un homenaje a José Joaquín de Olmedo y el fútbol, apropósito de la victoria del Olmedo sobre un equipo de Bolivia: «El cuatro auno que en fragor revienta/ y sordo retumbando se dilata/ Por la inflamadaesfera/Al Dios anuncia que en la grama impera....»

A través del libro desfilan viñetas de Pelé,Alberto Spencer, Garrincha, Vavá, Vinicius de Moraes, Puskas, Polo Carrera...Pero el capítulo que mejor une literatura con fútbol es el XVI, «El día que Maradonaconoció a Borges», que narra un encuentro apócrifo, en Ginebra, entre los dosgrandes dioses de la cultura argentina. Asombra el alarde con el que Morautiliza material intertextual haciendo dudar hasta el lector más ducho sobre sidicho encuentro se concretó o no. Lo que importa es que dentro del libro dichaentrevista entre Borges y Maradona sí se dio.

Otra crónica literaria de gran valía es latitulada «Vladimir Nabokov: El arquero que atrapaba mariposas». Retrato de unaspecto poco conocido del autor de Lolita.

Dentro de esta misma línea letrada tenemos trestextos: Auxilio, intelectuales, un largo inventario de los nombres másimportantes que han escrito sobre el esférico; el extenso ensayo Los poetas delgol que disecciona la lírica dedicada al tema del fútbol; y el texto Laresidencia de estudiantes que describe un partido en el que Salvador Dalí eraguardameta mientras Lorca dirigía las barras.

No se puede dejar de mencionar Goles de película,lectura obligada de cualquier cinéfilo ya que bosqueja una historiografía delos filmes cuyo tema es el balompié. Y por último Goles cantados que aúnamúsica popular con todo lo relativo al esférico. Se incluye el cancionero comocomplemento.

PASEAL VACÍO

Pase al vacío de Esteban Michelena (Quito, 1963) está estructurado en tres partesque arrojan un total de 326 páginas. La primera se titula igual que el libro yestá conformada por 23 textos donde abundan las entrevistas, los perfiles dejugadores, técnicos, dirigentes; la segunda parte, Calle luna, callesol, consta de 14 textos en el que se incluyen perfiles de músicos ocantantes y Mi barrio es el mundo que ostenta 10 artículosdonde se dan cita exponentes de las artes visuales como Sebastián Cordero, PekyAndino y Carlos Valencia.

La primera parte contiene los textos más importantes, sobre todo porque hansido validados por diversos premios periodísticos. «Animal de graderío», porejemplo, que ganó la edición 2007 del concurso Jorge Mantilla Ortega, es unretrato del hincha que asiste al estadio.

Y, bien mandado, unfrancotirador –de naranjas- castigaba al malcriado con un cinematográficopepazo que, al grito de «sombrero, carajo» y tras derribar la prenda dibujandocabriolas en el aire, se celebraba con una retenida risotada. En verdad, siemprehabía un incauto que proveía, a toda la General, de insuperables momentos desano esparcimiento. Y cuando algunito se atrevía a reclamar… No sé. No sé…¡Fuente ovejuna futbolera!

Pase al vacío es un catálogo completosobre temas futbolísticos. A continuación algunos de ellos: la violencia de lasbarras bravas: el asesinato de un joven hincha de El Nacional a manos de laMuerte Blanca. El dilema de si el futbolista debe o no hacer el amor antes deun partido en una pieza de antología titulada «Follar o no follar». Unaentrevista a la vendedora de guatitas del estadio. Las formas de cobrar un tiropenalti. Una entrevista al Che Pérez, jefe de la Boca del Pozo. Un análisis delas canteras futbolísticas en un texto muy logrado que se titula «El blues delos que empiezan».

El valor agregado de la obra de Michelena es el conjunto de entrevistadosque incluye nombres como los de Celia Cruz, Joaquín Sabina, Juan Gabriel,Héctor Napolitano y Gerardo Mejía. Es como si fueran jugadores de esa otracancha que se llama escenario, artistas convocados por Michelena para unpartido festivo.

CONTRAPUNTO DE LOS DOSM.

1.- El fútbol no es un arte, pero contieneelementos artísticos provenientes del teatro, del ballet y de juegosestratégicos como el ajedrez.

«Si el fútbol no es un arte, sele parece mucho», escribe Javier Marías. «Y en el arte nada cuentan el esfuerzoni la buena voluntad». Inquirido sobre esta conclusión entrevistamos a EstebanMichelena quien afirma percibir, sentir y vivir el fútbol como un arte efímerodonde imperan el orden, la armonía y la belleza. «Es un arte que vaaconteciendo segundo a segundo», nos dice Michelena. «En la belleza de loscuerpos desplazándose con gracia y con furia, al momento. A esto se suma labelleza escénica y panorámica –visto el futbol desde la zona de preferencia,por ejemplo- deja ver la perfección de movimientos en conjunto, donde veintidósatletas están interpretando aquella estrategia, que puede ser asumida como unlibreto o un guión; una cambiante y explosiva puesta en escena». Este efectoteatral Michelena lo ve en el gol de Iván Kaviedes que clasificó a Ecuador a suprimer mundial. Así nos narra el escritor la anotación:

Álex, creo que con siete minutos en cancha,genera ese pase perfecto para Iván (K) que se eleva lo justo y gira, conexactitud asombrosa, su cabeza para cambiar el vuelo de la pelota y descaderaral portero uruguayo para sembrarse en las redes. Miren la jugada. Y eso queacontece ahí y pervive en la memoria, aquello fugaz y efímero se ha vuelto, sinembargo, eterno o por lo bajo, memorablepara siempre. Suele ocurrir con el arte.

Lo teatral también está en laforma en la que los jugadores se desenvuelven en la cancha. Sobre todo, en elfútbol sudamericano. ¿Se han fijado en cómo se lamentan los futbolistas de estehemisferio cuando son agredidos? ¿Alguien se ha fijado en el número de vueltasque un jugador da en el césped cuando es violentado por un contrario? ¿Creeránque ganan más la solidaridad del árbitro mientras más vueltas den? ¿Han visto aotros que se llevan las manos a la cara cuando el golpe es en el hombro o elcuello? Es puro teatro latinoamericano.

El fútbol también se parece alajedrez, «pero con caballos que sí corren», afirma Galo Mora en una entrevistahecha por nosotros. «La táctica y la estrategia suelen ser europeos, pero laslocuras son de acá.». Por esto el escritor lojano cita al Pier Paolo Pasolinien su libro: «hay dos tipos de fútbol, el de la prosa y el de la poesía. Losequipos europeos son la prosa: premeditada, dura, sistemática, colectiva; loslatinoamericanos son la poesía: dúctil, espontánea, individual, erótica». Lacita del director italiano nos recuerda que las jugadas más líricas delrepertorio futbolístico o de mejor estética (la chilena, la gambeta, lasgalletas, los taquitos, el penal cobrado en picada, el tijeretazo, el escorpión)no fueron acuñadas en Europa. Los expertos siguen discutiendo si la bicicleta yel gol olímpico son o no de Sudamérica.

En la entrevista Mora nosrecuerda que «el arte también está en las tribunas, en la creatividad de gritosy burlas». De hecho, en el capítulo VII de su libro nos cuenta un caso deracismo.

Una ocasión, el encontronazo entre dosjugadores afroamericanos que representaban los clásicos rivales, dejó la peorparte para el jugador universitario. En repulsiva, pero humorísticamanifestación racista y posesiva, surgió desde la tribuna, la sonora injuria: “Negrohijueputa, trátamelo bien al moreno”».

Esta anécdota es tan sabrosacomo aquella referida por Eduardo Galeano en El fútbol a sol y sombra, en la que Jorge Enrique Adoum cuenta queen un partido del inefable papá Aucas se le dedicó un minuto de silencio a lafallecida madre del réferi. Cuando el hombre del silbato cometió un error,perjudicando al equipo oriental, alguien de la hinchada auquista no dudó engritar: «Huérfano de puta».

2.- El fútbol se presta paraser literaturizado y el género que mejor le viene es la crónica. Los hechosacaecidos en el césped o fuera de él son siempre susceptibles de ser narrados yvueltos a narrar. De hecho, el fútbol es uno de los pocos fenómenos que exigeque se vuelvan a contar los hechos. Uno puede ir al estadio o ver el partidopor la televisión, pero hay una urgencia por volver a contarlo todo, repetirlopara vivirlo otra vez y recuperar la emoción primigenia. Además, hay algo deépico en los partidos. La metáfora del futbolista como gladiador o como soldadotiene una cédula de identidad literaria.

Nos dice Michelena: «son épicashistorias de vida construyendo otras, en cada jugada, en cada resultado, encada torneo. Con esos elementos, con adversidad y euforia, con angustia yacelere, con la sentencia de que nada será igual después de aquel domingo,claro, uno puede hacer esfuerzos por narrar bellamente historias hermosas en símismo. La vida de uno de estos chicos de El Chota, polvoriento y pobre,tranquilamente, puede calzar en un capítulo perdido de Luzde Agosto, del Profesor Faulkner».

3.- El poeta Alastair Raid nosindica que un «mundial de fútbol es un drama global cuidadosamente ideado,calculado para llegar a una conclusión que genere si no la satisfacción global,al menos sí la tranquilad mundial».

Un partido de fútbol tienetambién su estructura dramática. Tiene un planteamiento, un desarrollo y undesenlace. Esta estructura varía cuando se debe forzar a los dos equipos aldesempate. Goles o expulsiones que suceden al principio del partido pueden sercategorizados como detonantes dramáticos. Un alargue de tiempos extras serácomo dos mini actos y la definición por penales que es la parte climática delrelato. Ni qué decir del entretiempo que es un paréntesis para los espectadorespero un drama que no vemos.

La forma de actuar de cadajugador los convierte en personajes de una trama superior. Un puntero mentirosoo delantero no programado puede ser una anagnórisis. Para usar otro términoaristotélico puede darse la metábasis en un jugador que cambia de personalidad:al principio del partido es respetuoso con las reglas pero al final, paramantener el marcador, se convierte en el villano que reparte puntapiés. Laperipecia, otro término de La Poética,entendida como obstáculo o revés, se puede dar cuando un equipo favorito recibegoles y tiene el marcador cuesta arriba. Y si estamos tan griegos no seríaimprocedente calificar de tragedia un autogol.

Si hablamos de drama no podemosdejar de hablar de equipos que juegan de manera ruda y antideportiva. Un buenejemplo sería algo muy usual en el teatro futbolístico latinoamericano: lossegundos previos a un tiro de esquina en los que vemos como los jugadores seacarician entre sí, se toman de la camiseta, se abrazan para evitar cualquiersalto. No hay que reírse. El equipo colombiano Once Caldas ganó así una CopaLibertadores ante el Boca Juniors.

El irrespeto al fair play es un drama barato en el quese sacrifica la estética del balompié. En la última Copa América, Diego Lugano,capitán del equipo uruguayo, recibió el premio al mejor practicante del juegolimpio en el torneo. Sebastián Abreu, compañero del equipo charrúa, no tuvo empachoen hacer una broma certera: «Darle el premio fair play a Lugano es como darle el Premio Nobel de la Paz a BinLaden».

Toda esta dramaturgia queestamos planteando permite a la crónica convertirse en una de las bellasletras, como hemos titulado este trabajo. Para Michelena se combina «el diseñode la historia (que puede ser la estrategia del DT), la ejecución de la misma(que es la trama del escritor). Y el remate, el cierre inolvidable, el actofinal. Que, en este caso, es el gol. Por ahí le veo las cosas, desde la pizarradel entrenador o desde el escritorio del cronista».

4.- De la dramaturgia nos vamosa ese otro partido que se vive en los graderíos, ese otro espectáculo que estálisto para ser narrado en las crónicas de fútbol escritas por literatos.Tenemos la música de las barras, el folclor, la heráldica y otros elementos delimaginario popular. Peter Handke, autor de la novela El miedo del portero al penalti, destaca el ballet colorido de losjugadores, los arabescos de los laterales, el desarrollo geométrico del juego,los saltos de los arqueros… Todos estos elementos los asocia el dramaturgo austriacocon las artes visuales.

Para el investigador francés ChristianBromberger también están las banderas, los juegos de bengala, los cánticos, bailes,disfraces, sonidos de tambores o trompetas en una suerte de opereta popular.Inclusive hay elementos del folclor, las matracas; de la religión, loscrucifijos; del ejército, los estandartes; de las manifestaciones políticas, lapostura corporal combativa. En la música entonada hay más análisis por aplicar.Los ritmos y melodías se repiten de un país a otro. De Argentina, por ejemplo, elnúmero de cánticos reciclados en el Ecuador es realmente alto.

5.- El humor es un elementopresente en casi todos los textos analizados, sobre todo en los dos escritoresecuatorianos. Este componente es parte del tono festivo que tiene el fútbol yla crónica sobre este deporte.

Un ejemplo en Mora es elcapítulo XIII titulado «Nombres, apodos y gentilicios» que trae las formas másinsólitas de bautizar a futbolistas: John Kennedy Minda, Richard NixonCarcelén, Leonardo Favio Moreno... Se trae a colación «El hincha», cuento deMempo Giardenilli, donde el protagonista se llama Lindor Dell´Orto. Para colmobautiza a su hija Dolores lo cual hace hilarante la sola enunciación del nombrede la niña más el apellido. El autor lojano también cita el caso del entrenadorde ciclismo de los años ochenta, el lituano Algys Mynalga. Cuando éste tuvo queser despedido en el aeropuerto después de laborar varios años, el coordinadorde la concentración deportiva de Pichincha comentaba con pesar: «La despedidafue triste... lloró Mynalga».

En Michelena están frases matizadaspor el humor popular. Hay una referencia a la «cerveza orgánica en funda» quese arrojan los fanáticos en el estadio. Para hablar de contrataciones fallidascomo las de Rolando Zárate y Marcelo Delgado en Barcelona usa la categoría dejugador VIP (Very Important Paquetes).A propósito del desencuentro táctico entre Messi, Agüero y Riquelme en el empate1 a 1 entre Argentina y Ecuador, el narrador dice que «no se encontraron ni enlos urinarios del Monumental de Núñez». En otro texto se cuenta el origen de lafrase «Al empate, Calceta»: un equipo manabita que perdía once a cero en unpartido intercantonal. Cuando el marcador se puso once a uno fue histórica lafrase de extraño entusiasmo con la que un fanático gritó «Al empate, Calceta».

6.- El discurso de Galo Moratiene parangón con los libros de Javier Marías y Juan Villoro, por contener unmanejo intelectual del lenguaje por las referencias cultistas. El discurso deEsteban Michelena tiene poca o nula relación con lo anterior puesto que,apegado más a la crónica urbana latinoamericana, se vale de referenciaspopulares que provienen de la música salsa, la coba y los coloquialismos. Aratos se permite vulgarismos que bien acerca al autor al título del libro deMarías, Salvajes y sentimentales.Esas palabras procaces, en el contexto que se dan, son producto de laemotividad que produce no el deporte sino el rey de los juegos como le denominóen su momento Giraudoux. En estos elementos retóricos radica el gran aporte de Pase al vacío.

7.- Finalmente cabe señalar que los libros de los dosM, Mora y Michelena, ven a la aldea como un microcosmos que es un símbolo de loglobal. El primero desgranando en su libro recuerdos de su Loja natal en textoscomo «El nostalgiario», «Hamburgo y el Niño Dios» y «Los hijitos de papel»; elsegundo viendo el barrio como una metáfora del mundo. De hecho la última partedel libro Esteban Michelena se llama «Mi barrio es el mundo». Mora sin perderel saco y la corbata de un retórico cultista; el otro autor más cerca delsentir popular, capaz de un duelo jergal con sus entrevistados. En estesentido, Michelena se acerca más al decir de Soriano, capaz de realizar magnosretratos de héroes locales como el Pibe de Oro, Mercedes Ramón Negrete oArístides Reinoso. Los equivalentes ecuatorianos los hallamos rápidamente enlos retratos del Zapatón Klinger y Otilino Tenorio de Pase al vacío.

Ya en los minutos de descuento de este ensayo se vieneel balonazo de la última conclusión. Los textos estudiados estánmatizados por la nostalgia. Hay una añoranza del pasado futbolístico que radicaen esos héroes que ya no juegan.

Michelena evita términos como nostalgia y saudade.Prefiere el vocablo malegría,definida por Manu Chao como «tristeza que se cura con la risa. Una dulce yamarga sensación que se siente cuando la alegría y melancolía se juntan en unasola emoción, cuando todo parece ir bien, pero no cómo más nos gustaría».Michelena confiesa en lo personal tener cada vez más instalada la malegría, «la certeza de que todo estáquedándose fuera de juego. He ido, con mis hijos, a los paisajes de lainfancia. Y no queda nada. Ellos heredan una cancha bombardeada, así queinfelizmente casi no podrán jugar. ¿Teníamos que reventarlo todo? ¿Los sub 20del futuro deberán reconocer su país en vídeos?».

Mora afirma en el prólogo de su libro, por algosubtitulado «Memoria y fútbol», que no cree «en la conjugación histórica delpasado perfecto, quizá, más bien, una regresión secreta para dibujar un frescohistriónico y lúdico de la nostalgia». También es «un homenaje a la memoriaindividual socializada que se opone a la cultura del olvido». Mora combate «elrecuerdo literal, las víctimas de las clínicas de la nostalgia freudiana» yapunta más a «la memoria literaria y filológica», según sus palabras.

Dos cosmovisiones, dos discursos distintos, «la mismapelota que va girando igual que gira la vida», como dice Soriano. La mismacancha de las bellas letras. Si al principio consignamos la cita de Valdano delfútbol como lo más importante de las cosas sin importancia, habría quepreguntarse si el fenómeno globalizador no lo convierte en lo más importante de todas las cosas. Para muestra elimpacto mediático nacional por los dos mundiales a los que asistió nuestraselección.

Cerramos con palabras del mismo jugador argentino: «La literatura no es más que un juego y el fútbol es otrojuego. Y hay algo de redundancia en eso de escribir sobre fútbol. Es muydifícil recrear un juego desde la literatura. Es como si el fútbol admitieramás las distancias cortas que los grandes relatos épicos porque, para relatoépico, el partido mismo».

El término «épico» nombrado por eljugador-escritor argentino nos remite a gestas homéricas y por ende al terrenode lo marcial. El campo de juego también puede convertirse en un espacio dondese resuelven simbólicamente conflictos políticos: los duelos Argentina versusInglaterra y Ecuador contra Perú resultan ilustradores de este preceptobelicista.

«Es obvio que las guerras del fútbol»,dijo el humorista mexicano Abel Quezada en los años noventa del siglo anterior,«si bien menos grandiosas, son tan serias como las reales. Pero tienen unaventaja: que son más divertidas. El Consejo de Seguridad podría organizar unjuego solemne entre Israel y Egipto… montaríamos con enorme éxito el torneoMercado Común, y un encuentro entre Vietcong y Vietnam del Sur, con ElSalvador- Honduras como abrebocas». Ojalá fuera tan fácil pero queda solo enuna quimérica humorada.

A veces la puesta en escena puede serrealmente de crónica roja como un patéticamente célebre partido entre Barcelonay Liga de Quito en el estadio de este último que dejó narices rotas, costillasy clavículas destrozadas, patadas en el piso... El argot futbolístico tiene unaforma ya común de hablar de estos incidentes. Batallas campales, se llaman, nodistintas de las gestas medievales. Si vamos a los desmanes de hinchas no sepuede dejar de mencionar a los hooligans y las muertes causadas tanto dentrocomo fuera de Inglaterra.

Si el relato oral de un partido esefímero, el cuento o la crónica literaria logran que el mismo sea disecado enel museo de lo literario. Si la realidad de un partido es transitoria, ésta eseternizada por el escritor o el cronista con la riqueza de los tropos. Aquelloque en la cancha se ve como una burda guerra o una lucha cuerpo a cuerpo lamagia de la literatura puede llegar a reinventar todo lo que pasa en el césped.Tanto fútbol como literatura tienen estructura lúdica, pero son juegos a muertemuy serios. El miedo del portero alpenalti es algo que puede ser traspuesto al temor del escritor o cronista quetiene enfrente el desafío de recrear literariamente «ese pensamiento que sejuega» como le llama Kundera al fútbol.

BIBLIOGRAFÍA

GARCÍA CANDAU, Julián, Épica y lírica del fútbol (AlianzaEditorial, Madrid, 1996).

MICHELENA, Esteban, Pase al vacío (Paradiso Editores, Quito,2010).

MORA, Galo, Un pájaro redondo para jugar (Eskeletra,Quito, 2002).

MARÍAS, Javier, Salvajes y sentimentales (Aguilar, Madrid, 2000)

VÁSQUEZ MONTALVÁN, Manuel, Fútbol: una religión en busca de un dios (Debate,Madrid, 2005).

VILLORO, Juan, Dios es redondo (Anagrama,Madrid, 2006).

SORIANO, Osvaldo, Piratas, fantasmasy dinosaurios (Norma, Buenos Aires, 1996)

REID, Alastair, Ariel y Calibán(Tercer Mundo Editores, Bogotá, 1994).

VALDANO, Jorge, Los cuadernos de Valdano (ElPaís-Aguilar, Madrid, 1997).

2011-10-27T08:07:00.000-07:00

SOBRE CYBORG DEMOCRACIA
de Ernesto Carriøn (dadaif-Cartonera)

El impacto de leer a Ernesto Carriønes el mismo como si un meteoro cayera en medio de un campo de maíz de mi tierranatal o en un territorio donde pulula el desarrollo del concreto; lo que luegose produce es el resultado de leer esa gran poesía; Ernesto y sus mutaciones dela realidad. Son las secuelas después de múltiples lecturas y de unneobarroco y neobarroso transmutado, que viene del origen, pisa la tierra y nosrecuerda las grandes hecatombes de este tiempo pasado y presente que son en unocontenido. La gran utopía dela incertidumbre y las metáforas duras y hermosas de Ernesto son más que ungrito en medio del horror de la civilización, de este mundo que hicimos tambiénacompañado de las máquinas, las cuales no reconocen el jardín del Edén y quenos entregan la incógnita de la supervivencia. Va mi admiración plena en esta poesía ubérrima deErnesto Carriøn y venga el lector (des) ocupado a soñar con nosotros por encima del Cielo, a ver elpatrimonio decapitado, de una juventud cibernética echada toda a perder en elsiglo XXI (@, fb, $). Solo me queda decir al igual que el vate ecuatoriano:Uno se da por vencido hasta volverse humano.

Javier Alvarado (Panamá)

***

SI EL ESCRITORPIERDE LA ÉTICA TODO QUEDA EN RABIETA

Uno se da por vencido hasta volverse humano.Aplasta a un elefante: toca el poema. Blanquea la metafísica de un pulmónparqueado en un hollín de letras. Así he debido calentarme todo este entierro.Como las garras de una roja cebolla envuelta en los pañuelos de mi gran abuela.Así se cierra esta cadena de favores: un libro escrito por un gusano camina aser carcomido, como una balsa de párpados disfrazados de rosas capilares, porcentenares de gusanos forzados a respirar bajo una tierra asfixiante. Esto esGeometría, Circularidad peligrosa, y una Canción de amor soleada como lacabellera de un viejo rompeolas. Este es mi sitio: entre la vida privada y lavida privada de mi vida. Los años iban y venían, aún vienen y van los años, yfue imposible desaparecer nuestro nacimiento simulando un asalto sexual forjadopor el polvo como una obra maestra. Yo enamorado de mi polvo, polvo me ibahaciendo entre un escombro exótico de tráqueas saboreadas. Apenas me conocítenía tantas ganas de escribir un libro sobre la vida, tantas ganas de narrarla vida artificial de mi inteligencia, que terminé escribiendo un libro sobrela muerte. Dios es transversal y transexual y el horror de mi escritura es lacircularidad de su palabra que ya no puede mentirme, porque a mí me handescargado su leche los cientos de hombres que me habitan, y llevo la caracortada como un piano floreciendo hacia la hoguera. Yo fui una canícula partidacomo una margarita sudando su tabaco y besando pronto. Madre, ¿no te dio penahabernos partido cuando apenas teníamos lengua para defendernos? Madre, ¿no tedio pena habernos partido cuando apenas teníamos lengua para defendernos? Unose da por vencido hasta volverse humano. Aplasta a un elefante: toca el poema.Disculpa al Cromañón que lo arrincona. Envuelve con adornos su palabra. Escribedesde el cerco.

2011-10-23T09:14:00.000-07:00

EVENTOS

LANZAMIENTO DE LIBRO DE ALEYDA QUEVEDO EN GUAYAQUIL

FECHA: Viernes 28 de Octubre
HORA: 19:00
LUGAR: Centro Cultural Simon Bolivar- MAAC- FIL 2011 - Sala Galo Galecio

2011-10-18T18:09:00.000-07:00

NOTICIAS

ERNESTO CARRION FINALISTA EN FESTIVAL DE LA LIRA

Festival de la Lira tiene finalistas
Extracto de Diario el Mercurio 17 octubre, 2011

El pasado día viernes 14 de los corrientes, en la ciudad de Quito, el Jurado de Nominación del III Certamen de Poesía Festival de la Lira, conformado por Mercedes Mafla (crítica y docente de la PUCE), Raúl Pacheco Pérez (Director de la Biblioteca del Centro Cultural Benjamín Carrión) y Galo Alfredo Torres (poeta y docente de la Universidad de Cuenca), luego de la lectura de 57 libros calificados a concurso, eligió los 10 finalistas del mismo, entre los que se cuentan 2 ecuatorianos, 2 uruguayos, 4 mexicanos, un peruano y una poeta argentina. Estos son los autores y los títulos:

1.- Ernesto Carrión, Fundación de la niebla (Cascahuesos, Arequipa, 2010).

2.- Silvia Eugenia Castillero, Eloísa (Universidad de Guadalajara / Aldus, 2010).
3.-Elsa Cross, Bomarzo (Era/CONACULTA, México D.F., 2009).
4.- Eduardo Chirinos, Humo de incendios lejanos (Mesa Redonda, Lima, 2010).
5.- Eduardo Espina, El cutis patrio (Mansalva, Buenos Aires, 2009).
6.- Tamara Kamenszain, El eco de mi madre (Bajo la luna, Buenos Aires, 2010).
7.- Ernesto Lumbreras, De nombreuses bandes/Numerosas bandas (Écrits des Forges/Mantis, Québec, 2010).
8.- Eduardo Milán, Vacío, nombre de una carne (Casa Editorial Hum, Montevideo, 2010).
9.- Tedi López Mills, Muerte en la rúa Augusta (Almadía, Oaxaca, 2009).
10.- Juan José Rodríguez Santamaría, barrido de campo (Cascahuesos, Arequipa, 2010).

Estos 10 libros son los candidatos a la Lira de Oro, el gran premio de la Fundación Cultural Banco del Austro, dotado de 30 mil dólares, y a la flamante Mención Especial Ilustre Municipalidad de Cuenca, que tiene una recompensa de 5 mil dólares.Ahora los libros pasarán a manos del Jurado de Premiación, quien a su llegada deliberará en nuestra ciudad.

Por primera vez en el Festival hay una importante presencia femenina entre los finalistas, y nuevamente, como ocurrió en las versiones anteriores, dos ecuatorianos (esta vez: el guayaquileño Ernesto Carrión y el ambateño J.J. Rodríguez) están entre los diez. Ernesto Carrión que ya fue finalista en el II Festival con su libro Demonia Factory, vuelve a estar entre los mejores

2011-10-10T22:46:00.000-07:00

EVENTOS

LECTURA POETICA EN EL MAAC

2011-10-06T19:02:00.000-07:00

Reseña

Freddy Ayala Plazarte presenta nuevo poemario

La Casa de la Cultura Ecuatoriana y Drugos de la Naranja EditorialTienen el agrado de invitar a la presentación del libro: MI PADRE EN LAS RIELES DE SUMPAde Freddy Ayala Plazarte. Intervienen los escritores:Fernando Balseca y Cristian Avecillas Habrá un performance teatral por Ivonne PonceIntervención musical de Rossy Pacheco,pianista y soprano

Lugar: Sala Benjamín Carrión CCE.

Fecha: martes 11 de octubre de 2011

Hora: 19h00

Brindis

EL ÉXODO QUIESCENTE

por Cristian Avecillas

1. EL ASUNTO

En este verso, la quietud: allá donde el hombre reza bajo un poncho / y desaparece con su sombrero. En este verso, el viaje: A lo lejos rueda el vagón del horizonte. Y esa es la sustancia del nuevo poemario de Freddy Ayala Plazarte: “Mi padre en las rieles de Sumpa”.Para la quietud, el ancestro: el padre y los Andes, el abuelo y el fuego, la madre y la nostalgia, y el silencio de la sierra ecuatoriana; para el viaje, Sumpa, Sumpa y sus amantes, Sumpa y los eriales frente al mar, y el mar. Lo que hace Freddy, la gesta y el asunto de su trabajo de poeta, es crear los engranajes y las aleaciones líricas que integren y unifiquen y aseguren estas dos sustancias, estos dos paisajes: las rieles.

2. EL PRINCIPIO

Cada riel es un raíl. Y dos en disposición paralela son imprescindibles para el circular de los vehículos de fierro, desde Aláquez, rincón de los Andes próximo al volcán Cotopaxi, y además emplazamiento en donde está el origen del poeta, de su voz y de su sangre; hasta Sumpa, el lugar de los amantes sobre el verdadero nombre, por originario y ancestral, de aquellas tierras que conforman la actualmente denominada península de Santa Elena.Estos dos escenarios nos son presentados, ya, desde aquella introducción que testimonia con realidad de historia fidedigna y comprobable, el discurso poético que vendrá. Allí, la voz poética nos dice: sombra de viscosos esternones y vértebra seca. Y ya en este decir se revela el primer extrañamiento. Leerse, puede, esta metáfora como una mera atribución de los amantes, sin embargo, la construcción en sí, nos depara un cuestionamiento: ¿Por qué dotar de viscosidad al torso y de sequía al dorso? ¿Por qué dotar de pluralidad a un hueso único y de singularidad a un hueso que es plural? ¿Y la sombra, por qué la sombra? ¿Acaso por su paredón de tiempo? ¿Acaso, sombra es lo que habita entre un esternón humano y su correspondiente columna vertebral, o acaso sombra es lo que habita entre dos amantes?Posteriormente, el autor nos dispone una evidencia más de la disposición paralela con que ha sido construido su libro al presentarnos la dedicatoria: los números dispuestos gráficamente a manera de dos líneas paralelas, son otra vía férrea.

3. LA QUIETUD

Y entonces brota el poemario donde un verso que reconocemos brinda título al primer poema, de los doce, que abordaremos: “En el abrazo más antiguo de América”.Este poema, proscenio, instaura ya en nosotros un espacio y un diseño: Y hacia Sumpa quisieron ir los primordiales / a amalgamar el fuego / cazadores de la luz orogenia / un escenario para quebrantar sus uñas con la madera. Este poema, exordio, prepara el ánimo oyente para un tiempo y un acontecer: Y su paleolítica angustia / manchada ya de silencio / cubiertos por la arqueológica sombra de la luna. Y es así como tenemos un espacio y un tiempo; podría, incluso, decirse, que tenemos un destino. Pero del tiempo, no del espacio, brota el segundo texto del libro. “Doce edades sin abrir los ojos”. Y este poema nos trae el lenguaje, y más que el lenguaje como un sistema de articulación manifiesta de los hombres, este poema nos trae el evento de una voz poética pensándose y recordándose en el lenguaje. Cabe, ahora, notar que el número que califica a las edades es cifra de referencia biográfica: tenía doce años cuando surgió la fe de Freddy con todas aquellas vocaciones sacerdotales que impelen a los poetas: La primera, la conciencia del poema -el manuscrito de los antepasados / reposaba sobre mis vértebras-, la segunda, la lectura del poema -algún tiempo me tuvo en la penumbra con sus letras / quería caminar hacia escalas del ciprés-, y la tercera, la evanescente consecuencia del poema -“Hablando con lo ausente”, que es el título del tercer texto del conjunto.Entonces ya tenemos un emplazamiento. Y ya son dos las realidades -destino y emplazamiento- que en disposición paralela, el autor nos conferirá para el circular de los vehículos de fierro: sus poemas. Y así arribamos a la estación del tercer texto del conjunto; probablemente el texto más dolido por lo vivencial y victorioso por las cometas, donde la paridad de las realidades se describe adentro, idóneamente, consiguiendo un mundo propio y doble: un mundo “real” aterrador ante los ojos del niño, y el mundo “poético” que el mismo niño crea y adentro del cual se salva: durante los madrigales / un niño / dejaba escapar una cometa de sus manos / y corría al regazo de su cama / a espiar el apareamiento de las luciérnagas.Luego la cronología y el poemario nos deparan a una estación nueva: el niño ya es adolescente. El cuarto texto nos convida los descubrimientos de las otras oscuridades que posee una noche. Vemos, en el día, el recuerdo, el juego y el sueño de un niño todavía, y luego de la bendición nocturna de la abuela, vemos unas gradas, un zaguán, un camastro, y también vemos lomos, pezones, salivazos. Todo adentro del poema que es también memoria del poeta. Desde esta memoria vemos a la madre y al abuelo. En el quinto texto, la madre aparece, y todo es nostalgia del mirar: ella, envejeciendo, mirando una fotografía, mirando archivos, mirando un espejo: temiendo al monstruo de sus ojeras. Es tanta la nostalgia que incluso María, la de los templos, la percibe o la ejecuta, aunque el poeta ya celebra otros templos y otros dioses: la Madona del altar dirigía su nostalgia al cielo / ignorando que otras vidas se exaltaban en mis edades. En el sexto texto, cuando el abuelo aparece también está la historia del fuego: el abuelo recogía la leña y entonces: el fuego era su pasado; ceniza, sus cejas; el Fénix, su sombrero; el humo, los cóndores; las llamas, el ego de las aves. Tanta soledad, tanta pureza, parece pertenecer al tiempo de los Andes, cuando el fuego construía al hombre y a su cordillera, donde queda la sombra.

4. EL VIAJE

Entonces salimos. Dejamos la memoria, la nostalgia y la montaña, y vemos el camino férreo. Este es el recorrido a través del páramo: el niño en luces gélidas faja su rostro / ve que un pájaro gira la llave del ocaso / y cae en la intersección de una cruz / se agacha a recogerlo. Diríase que al bajar de la gélida montaña ya aparece el mar. Y es verdad. De pronto, en el noveno texto, ya no hay cóndores, hay albatros y fragatas, la nostalgia ya no está en una mochila ni en un rostro ajado y solitario, está en el mar: los espectros del alba riegan / su nostalgia en el mar.Y en estos versos: se acerca un deshuesado ejército de tréboles / a cubrir las letras del mármol; percibimos el tiempo pasado, y sobre los momentos de contemplación y quietud, sobre los Andes y la lápida, ha surgido ya otra vida: la vida de los tréboles. Entonces se resuelve el poemario. Arribamos a Sumpa. El pasado, es al mismo tiempo; el paleolítico y la memoria del poeta: a veces el aire de mi difunto da vueltas como una bisagra / en mi paladar / un caballo desaparece de las rieles de Sumpa. El presente, en cambio, son las dos tumbas, la de los de Sumpa, y la del Padre; la tumba de los amantes al borde del mar, donde: atrás de la ausencia queda una fragata / a romper el siglo de las piedras; y la tumba del padre en la palabra: a veces el aire de mi difunto da vueltas como una bisagra / en mi paladar.

5. EL ARRIBO

Hemos llegado. Nos queda, entonces, el presente del poemario que es también un horizonte. Lo que hemos hecho los demás, los lectores, es seguir los rieles que el poeta ha creado para sí y para nosotros. Y así arribamos, desde el fuego del ancestro hasta el fuego en los amantes, y de alguna forma descubrimos que al tomar la decisión de leer y comprender este poemario, también, hemos sido primordiales. Y hacia Sumpa quisieron ir los primordiales / a amalgamar el fuego. Allí ya está el poeta, con sus imágenes y sus recuerdos. Allí, su padre, Amante como los de Sumpa. Entonces creemos entrever en el occiduo instante del poemario, la respuesta a los cuestionamientos iniciales. Nuestro poeta ha dotado de viscosidad al torso porque en su verdad el pecho paternal sangraba. Y sabemos que deben ser plurales los esternones pues la suma de ellos constituye otra línea férrea. Y la sombra, que corresponde al secreto de las tumbas, es también su obrar: sobre mis labios se pudre el silencio que mantengo.

6. EL DESPUÉS

Y lo mejor de todo es que existe un después. Más allá del hecho evidente y único de que “Mi padre en las rieles de Sumpa” es un libro logrado y hermoso, es que el gran poeta que lo escribió, a pesar de haber puesto los pies en el infierno, como nos refiere en uno de los epígrafes, es un hombre de fe, es decir de poesía; porque no existe fe si no hay poesía. Este es el verso, casi el último del libro, que nos refiere esa fe, esa persistencia, esa continuidad en poesía. Nos dice el poeta: yo todavía continúo en las rieles. Y al decirnos esto, al escribir esta palabra: “todavía”, Freddy Ayala Plazarte nos invita a un después. Y no hay después que no sea viaje. No hay después que no sea quietud.

C AGuayaquil, Julio 2011

Extracto

...en el abrazo más antiguo de América

Y ahí

se habrían reunido dos seres

a edificar en sus rostros laspartituras de la noche y el día

Amantes de Sumpa

recuerdo cuando veo a dos fósilesabrazados

cuando pienso en la matemática de un instante

aquel segundo deinfinita memoria

y sus huesos asilados en la ceniza delpaleoindio

juntados para la eternidad de seramantes

vencidos por el alfilerazo deochomildígitos

acostadosya en comunión

Yhabrían quedado sus pisadas en el mármol de la arena

desorbitandoel claroscuro de sus huellas

artesanosen la menguante despedida

mientras una gaviota

impretérita de los puntoscardinales

Y ya sin mirarse

sin la imagen de su ojos

atraídos hacia el hospicio

sujetos entre sus doscientasochopartes

escenificando la ausencia del tiempo

únicamente la espiga de una palabra

enel vacío de sus voces

Sondosquienes

estuvieronacostados sobre el barro

atrás ya del fuego fractal

en constante diálogo con el olvido

ofrendando su memoria a la Vía Láctea

Y cada vez más cercanos al pasado

a la esencial careta de losastros

ocultando oraciones del mar en el párpado

unidassus cabezas hasta quedar sin la pulsión de canas

Habitantes de un país ecuatorial

de tridimensionales equinoccios

depiramidales horas

decerámicos espejos

en la fecunda alineación de losmontes

donde el páramo

ha sido testigo de una mazorca

con manuscritos que guardan la vejez en ambulantes

donde las manos

han santificado la infancia de trenzas

de amuletos que duermen en el esternónde los ausentes

y estrellas de obsidiana

donde el hombre

cosechólos garabatos del sol

donde una mujer acarició las edades de un antepasado

Amantes de Sumpa

porqueestuvieron ahí

en la numeración de algún calendario

disecando con sus rostros la cuántica del amor

enterrados bajo la ceremonia de piedras

donde la osa mayor consteló el inframundo

Y supaleolítica angustia

manchada ya de silencio

cubiertos por la arqueológica sombra de la luna

empoderaron su alquimia en algúncapítulo del éxodo

…Y así vivían los cuerpos

después del mármol losrostros dejan menos nombres

entre rieles para encendercon los pies la memoria…

XII.

Yobusco las canas de mi padre

en la cerámica del estiércol

tardanlas hormigas en marcharse del zapato

Amantecomo los de Sumpa

porque abraza mis caricaturas

ahí donde un trébol estira sus corazones

yel cascajo derrama un blanco peinado

Y en el manicomio de arena

sus palabras descalcifican

la séptimavértebra de las rieles

pero sunombre se mantiene paralítico

donde elmar ceremonia imágenes antiguas

y atrás de la ausencia queda una fragata

aromper el siglo de las piedras

Y un manuscrito

entretejela caligrafía de sus edades

acasosus voces aún cosechan

el insonido de otra madrugada

noha dejado de existir en la cubista imagen del agua

habitación de tiovivos

enloquece el acróbata con las tramoyasdel hospicio

es una perinola borrando pasos de mipadre

ahorason las manos quienes se juntan

sobre mis labios se pudre el silencioque mantengo

la mosca tropieza

en la humedad de muletas

dóndemuere el ojo que el mar intenta?

es mi alucinación convertida en esqueleto

olvidando la genealogía de los Padres

hay un ritual depensamientos

atrayendo mi infancia hacia lasveredas

medetengo por el camino

sacralidaden rostros de mujeres

y cómo lastiman sus dedos

al tomar la nomenclatura

del recuerdo

sinembargo ellas pasan sobre la ausencia del trigo

entregando sus mitras al viento

evitando toparse con el ecoreflejado

dóndefue mi padre?

yano está su mano en mi espalda

resbala una gota de nervios

por mi hombro

lacuántica ha desintegrado la misantropía de un candado

y mimadre entrega

suconciencia a las algas del Sur

ynosotros y yo

permanecemosescuchando

cómo caen esquirlas de la dentadura

en la trastienda de montes

A lolejos rueda el vagón del horizonte

nace la sombra del fuego

Y el pasado de los Sumpa

es una carátula de alabastro

uncajón donde quebranto la memoria

paraoxidar más escenas en el ojo

se han ido sus m,e,m,o,r,i,a,s

sobresus huesos repito el fonema una estrella

impreso en el zapato el círculo de laNada

Y latierra en sus entrañas

desarticulael idioma de los cabellos

el signo de las heridas

ya mis ojos cubiertos de levaduras

calvo está un astro en la ventana

sin la reverencia del amanecer

Seha ido mi padre

peroyo todavía continúo en las rieles

hurgandoel génesis de su melancolía

acaso reteniendo por un segundo más su mirada?

aferrado a un sedimento de granizos

en las r-i-e-l-e-s

de Aláquez

de Sumpa

Freddy Ayala Plazarte (1983). Ha realizado estudios de Comunicación Social en la Universidad Central del Ecuador y la maestría en Artes y Estudios Visuales en la Universidad Andina Simón Bolívar. Autor de los libros de poesía: Zaratana (2007), Kamastro de Matuta (2010), Con un manuscrito en el horizonte (2011). El ensayo La metálica luminosa, del poeta vanguardista de Hugo Mayo (2010).

2011-09-24T19:43:00.000-07:00

EVENTOS

CONCIERTO

2011-09-07T07:25:00.000-07:00

Concursos
Premio de Ensayo José Saramago
para estudiantes

En el marco de las actividades organizadas por la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM,la Dirección de Literatura convoca a los estudiantes universitarios de México y el extranjero a enviar sus ensayos en torno a la obra del escritor portugués.

Bases

1.- Podrán participar todos los estudiantes de licenciatura y posgrado de cualquier institución educativa de México o el extranjero, sin importar su nacionalidad o residencia, con un ensayo de creación (no académico) sobre la obra del Nobel portugués José Saramago.

2.- Los ensayos deberán estar escritos en castellano y ser inéditos.

3. Los ensayos deberán presentarse en tipografía Arial de 12 puntos, a doble espacio.

4. La extensión del ensayo será de 5 a 15 cuartillas.

5. Los participantes deberán registrarse y subir su ensayo en la página:

www.literatura.unam.mx/ensayo-saramago

6. Los participantes deberán subir, junto con su ensayo, un documento probatorio de su condición de estudiante (credencial vigente, historial académico, carta de la universidad, etc.), y una identificación oficial (IFE, DNI, cédula, pasaporte, etc.).

7.- Ningún trabajo será devuelto.

8. La fecha límite de registro y entrega del ensayo es el 7 de noviembre de 2011 a las 12:00 hrs (hora de México DF).

9. El fallo del jurado será inapelable y será dado a conocer el 28 de febrero de 2012.

10. Se otorgará un premio de $ 10,000. 00 (DIEZ MIL PESOS MEXICANOS) al primer lugar, así como un diploma de reconocimiento. El primer finalista recibirá un reconocimiento.

11. El ensayo ganador y el finalista serán publicados en la revista Punto de partida, editada por la Dirección de Literatura de la UNAM.

12.- Los casos no previstos en esta convocatoria serán resueltos por la Dirección de Literatura de la UNAM.Para cualquier duda sobre el Premio de ensayo José Saramago para estudiantes:

http://www.literatura.unam.mx/ensayo-saramago/bases.html

2011-09-01T17:00:00.000-07:00

Eventos

Talleres de Técnicas de Danza Contemporánea

En SARAO, dentro de la jornada DANSEDUMBRE 2011, se dictarán dos talleres para bailarines (nivel intermedio-avanzado). Talleres que buscan un acercamiento a los principios del movimiento que provienen de varias técnicas contemporáneas de Danza. Así como se aplican enfoques somáticos como la técnica Alexander y el Análisis del Movimiento de Laban, y Body-mind centering.

La clase enfatiza el uso del espacio, claridad en las iniciaciones y busca una eficiencia en el movimiento. Por otro lado, el taller explora las maneras propias de cada alumno para aprender, realizar y disfrutar el movimiento. A través de un calentamiento, ejercicios en el piso y a través del espacio, nos prepararemos para actividades que requieran mayor intensidad e involucramiento mental y físico.

Taller I

Instructor: ESTEBAN DONOSO (Foto: Cortesía)

Estudió Danza en el Frente de Danza Independiente de Quito y Psicología Clínica en Pontificia Universidad Católica. Posteriormente obtuvo su Maestría en Danza en la Universidad de Illinois, USA. Ha enseñado cursos de Danza en Técnica, Composición, Historia y Análisis en la Universidad de Illinois, USA durante su Maestría, y posteriormente en Beloit College, USA, en la Universidad de Cuenca, la Universidad Central en Quito, y el Ballet Contemporáneo de Cámara.

Actualmente trabaja como terapeuta al igual que como coreógrafo y profesor.Horario: 17h00 a 19h00

Inicia: Septiembre 19, 2011 (Lunes)

Finaliza: Septiembre 23, 2011 (Viernes)

Duración: 10 horasInversión: $ 15,00

Taller II

Instructor: OMAR AGUIRRE (foto: Amaury Martínez)

Su formación como bailarín inició en la Escuela de Danza de la Casa de la Cultura, cuando estaba regentada por el grupo SARAO. Forma parte de la primera generación de bailarines contemporáneos de Guayaquil que salieron de esa escuela.Ha trabajo con los grupos SARAO y fue fundador del recordado grupo guayaquileño Danzasur, junto a Pedro Hurtado, Ángela Arboleda y Fanny Herrera.

Se hizo acreedor al premio Alas de la Danza con el solo ‘100 metros bajo tierra’.Actualmente es bailarín de la Compañía Nacional de Danza; y se desempeña como maestro y coreógrafo.

Horario: 11h00 a 13h00

Inicia: Septiembre 23, 2011 (Viernes)

Finaliza: Septiembre 25, 2011 (Domingo)

Duración: 6 horas

Inversión: $ 10,00

Cupo Máximo por taller: 15 personas

Nueva temporada de Funeraria Travel

Ante un cadáver imposible, dos existencias se aprestan a "obtener bastante capital", por lo que se dedican a "idear el mejor negocio". Infatigables y atrevidos, moviéndose de lo sublime al disparate, Sucu y Moria lucharán por materializar sus ansiedades de ganancias: ni la inteligencia ni la sensibilidad habrán de sosegar su empeño por enmascarar con necesidades ajenas sus remuneraciones personales.

Funeraria Travel no es una parodia sino una realidad debajo de la cual no podremos descender y más allá de la cual no podremos distanciarnos excepto cuando lo inesperado tome forma de proclama.

FUNCIONES:

Viernes 2, sábado 3, domingo 4 de septiembre

Viernes 9, sábado 10, domingo 11 de septiembre.

HORARIOS:

Viernes y sábados 20:00;

domingos 18:30

LUGAR:

Casa del teatro ArawaChile y Av. Olmedo, junto a Casana Universitaria, frente a Bahía Mall.

FICHA TÉCNICA

GRUPO: TEATROMIENTO

OBRA: FUNERARIA TRAVELDRAMATURGIA: Cristian Avecillas

ACTUACIONES: Estefanía Solórzano y Cristian Avecillas

MÚSICA: DRA, Carlos Santana, Arturo Sandoval

FOTOGRAFÍA: Fabricio Chaar (Argentina)

DURACIÓN: 55 minutos y un abrazo

CONTACTOS: teatromiento@hotmail.com Cel: 097780677

CONCIERTO

Guayaquil Rock 2011

SÀBADO 17 DE SEPTIEMBRE, FESTIVAL INTERNACIONAL "GUAYAQUIL ROCK 2011", EL EVENTO QUE DEJARÀ ESTABLECIDO "SEPTIEMBRE MES DEL ROCK EN GUAYAQUIL".

CARTELERA CONFIRMADA:

BAJO SUEÑOS,

OVERHATE (Venezuela),

DEMOLICIÒN,

EXCALIBUR,

WONG AND TE BROTHERS,

CABARÈ,

MONOPATACÒN,

TRIVIAL (Machala),

CORAZON DE METAL (Quito),

REENCARNACIÒN,

LAS ACIDAS

WILD SEX. s

Con el auspicio del Ministerio de Cultura, el co-auspicio del Muy Ilustre Municipio de Guayaquil entre otras instituciones y empresas privadas por confirmar en pocos dìas.....organiza: MOVIMIENTO ROCK GUAYACOse entregarà un galardòn "POR EL APORTE AL DESARROLLO DEL ROCK EN GUAYAQUIL" a:GRUPO LOS CORVETS, DEMOLICIÒN, EXCALIBUR..y un reconocimiento especial al difunto Sr. Pancho Jaime "LA MAMÀ DEL ROCK", cuyo presente lo recibiràn sus hijas Cynthia Y lilita Jaime.

LUGAR : PAO (CENTRO CIVICO) SUR DE LA CIUDAD

ENTRADA LIBRE

CONCIERTO

MUSEX FEST

Este sábado 17de septiembre, a partir de las 17:00: Lanzamiento de Amok & Burnout (disco deSexores) y la primera edición de un nuevo festival de bandas locales de: Indie, RockAlternativo, Trip-Hop, Música Experimetal... 6 bandas en un mismo escenario:

Miss Goulash
Prótesis
Vedette!
Sexores
Munn
ArKam

LUGAR:

Molinón(Amazonas y Eloy Alfaro)
Sábado 17 de septiembre
17:00 a 00:00

COVER:

$7.00(Incluye bebida)

$10.00(Incluye bebida y disco de Sexores)

JAM DE TAMBORES

LUNA LLENA

Ilustración: del Album de Rumi.

Este Martes 13 de septiembre, de 19:00 a 22:00, en las fueras del Ministerio de Cultura (Avenida. Colón y J. L. Mera,Quito-Ecuador) ven con tu insturmento de percusión favorito y únete a la partitura lunar del infinito colectivo.

Todos Bienvenid@s. EVENTOGRATUITO

2011-08-15T15:05:00.000-07:00

Ensayo

EL SENTIDO DE UNA ANTOLOGÍA

Por: Eduardo Espina

En el mundo se publica una enorme cantidad de antologías de poesía. Tantas, que cuando aparece una nueva hay quienes preguntan en tono exclamativo: ¿Otra más? Es decir, antes incluso de tener que justificar en el prólogo la presencia y ausencia de poemas y poetas, y argumentar el criterio de selección y exclusión seguido por el autor o los autores del volumen, hay que explicar las razones por las cuales se hizo la antología. Surge, obviamente, un corolario inmediato: si las antologías de poesía proliferan, es porque existen editoriales interesadas en publicarlas. Para las casas editoriales –eso puede inferirse– las antologías resultan buena coartada para atraer lectores bajo la consigna de que este tipo de libro catálogo es una selección representativa de una determinada época, de una zona lingüística, de un país, región o continente, etcétera, aunque la compilación pueda estar marcada por las preferencias (no siempre bien estipuladas ni fundamentadas como correspondería) del antologador (o antologadores) y resulte a la postre una síntesis del gusto poético de los autores de la selección antes que un documento histórico con valor perdurable.

Las nuevas tecnologías de armado, impresión y encuadernación de libros incorporadas a la industria editorial han favorecido, tal parece, la proliferación de antologías. En Estados Unidos, en los amplios locales de las mega multinacionales libreras como Barnes & amp; Noble o Borders, hay, en la sección de Poesía, anaqueles dedicados a las antologías. No obstante, aunque el ojo avizor pueda hacer suponer lo contrario (pues en las grandes librerías, a diferencia de los libros individuales de poetas, las antologías son expuestas en las mesas de novedades junto a los best seller) muy raras veces una compilación de este tipo se convierte en inusual fenómeno de ventas. Esto demuestra que ni siquiera así, incluyendo nombres reconocibles allende el lectorado exclusivo de poesía y teniendo masiva promoción en los grandes mercados de la palabra, la poesía vende. Su carácter minoritario refuerza su capacidad, y condición, de escritura de resistencia.

En el mundo editorial anglosajón se publican antologías de poesía por doquier y por decenas (ya no es mérito para los poetas estar o no estar incluidos, y en muchos casos es incluso mejor quedar excluido), teniendo como destinatarios principales y primarios a estudiantes universitarios, quienes las compran por obligación, para cumplir con los requisitos de alguna clase de literatura. Las antologías resultan por lo tanto un instrumento efectivo para hacer que la poesía circule entre quienes no prestan atención a este género. Esta nada menor circunstancia explicaría el boom de las antologías, y no sólo de poesía. El lector quiere variedad, igual que en los supermercados. Quiere que le digan cuáles son los autores que debe leer. Y una antología tiene a este como primer propósito, aunque argumente otros más.

Claro está, tal cual puede suponerse, en este borbollón constante de nuevas antologías, en el idioma que sea, que todos los años salen al mercado, pocas logran establecer una diferencia y convertirse en punto de referencia para la historia posterior al momento de su publicación. Lo mismo que en el mercado intencional y tan manipulado del best seller, también aquí entra en juego un compuesto variopinto de estrategias determinadas que distinguen a una antología de poesía de las restantes de su clase, aunque no siempre logre imponerla ni siquiera utilizando sofisticadas maniobras de marketing. La coherencia en la selección y el trabajo bio-biográfico (la historiografía que relaciona a la persona literaria con la persona real) de rescate, antologización y síntesis son, tal parece, requisitos imprescindibles, si no del éxito del libro, al menos de su valor documental. Además, está el detalle, bastante preponderante, de tener que justificar con argumentos, emocionales o intelectuales, las inclusiones y exclusiones. Empero, hay antologías que se han destacado por privilegiar el ejercicio radical de una subjetividad crítica dependiente más de determinadas preferencias estéticas que del delicado balance de las tendencias que relacionan el diálogo de las voces recopiladas, tanto entre sí como con las otras corrientes poéticas incluidas en el libro.

En 1934, el poeta español Gerardo Diego acuñó la frase utilizada indiscriminadamente por la critica literaria: “Una antología es siempre un error”. De ser cierta esa afirmación, el mundo estaría lleno de errores pues pululan las antologías de poesía en todos los idiomas; incluso más, en Estados Unidos desde 1988 se edita con periodicidad anual la antología The Best American Poetry, la cual incluye a los que supuestamente serían los 75 mejores poemas en inglés publicados ese año en revistas estadounidenses. Las antologías de poesía, a diferencia de las comunes recopilaciones en CD de las canciones más vendidas del año, no son un indicador de popularidad sino de calidad, o al menos esa idea debieran dar. No obstante, raras veces esto es lo que sucede, por lo que el autor o autores de la selección deben fundamentar en el prólogo las razones que los llevaron a incluir a un puñado de poetas destacados por cuestiones estéticas difícilmente mensurables en forma objetiva, aunque esto a fin de cuentas poco importa, pues las antologías son sobre todo el vehículo ideal para exhibir sin pudores el gusto literario de un individuo y su antojadiza manera de demostrarlo. Esto por sí solo no ayuda a salvar a una antología del rápido olvido, porque, dadas las específicas circunstancias, ¿cuántas antologías han hecho historia para convertirse en referentes de una tendencia estética inevitable o de un periodo histórico determinante, y no en ejemplo de una caprichosa decisión personal con escaso o nulo valor crítico y carente de perdurabilidad?

Recuerdo ahora dos antologías que, más allá de las observaciones y reparos que puedan hacérseles al respecto, han dejado una huella ineludible por los aportes realizados. Antología de la poesía hispanoamericana contemporánea: 1914-1970, de José Olivio Jiménez, publicada en 1971 (con varias reediciones a lo largo de los años); y Medusario. Muestra de poesía latinoamericana, con selección a cargo de José Kozer, Roberto Echavarren y José Sefami, editada por Fondo de Cultura Económica en México, en 1987, y reeditada en 2010 por Mansalva en Buenos Aires. Antología de la poesía hispanoamericana, de José Olivio Jiménez, es quizás la más popular muestra antológica en lengua hispana de todos los tiempos, la cual ha tenido varias reediciones y generó buenas ganancias para la editorial, Alianza, y para el autor de la misma, tal como éste me lo comentó en una ocasión. Todavía sigue circulando. Hace tiempo que no aparece una antología tan exitosa, por más que se han publicado a posteriori varias con parecidos intentos y muy bien promocionadas, las cuales han entrado y salido de las estanterías sin pena ni gloria, aunque trayendo más penas que glorias poéticas. Medusario, por su parte, demuestra que en ocasiones la imposición de un criterio estético unificador y excluyente al mismo tiempo puede tener mayor efectividad que un plan excesivamente inclusivo.

Antes y después de la selección de Jiménez y de Medusario se publicaron infinidad de otras compilaciones que han caído en el olvido. Pocas antologías son, pues, de antología. Las antologías tienen interés principalmente en el momento de su publicación, por su novedad y por la curiosidad que originan, sobre todo en lectores de poesía interesados en saber quiénes están incluidos y quiénes no. Por más que en un principio la publicación de una muestra antológica genera interés colectivo, esto se convierte a su vez en el estigma al que pocas escapan; tienen un cierto impacto inmediato, pero luego pasan a residir en bibliotecas donde entran en un limbo sempiterno, igual que la obra del escritor ficticio mencionado por Borges, no recuerdo su nombre y tampoco importa, quien volvía de la muerte muchos años después para constatar que su libro no había sido leído por nadie y seguía acumulando polvo en el lugar más olvidado de una biblioteca. Las antologías, por tener un valor de cambio condicionado por el momento de su publicación, raras veces se convierten en libro de consultas en las bibliotecas, salvo que algún investigador literario las rescate en plan historiográfico de reconstrucción de un periodo literario dado, como si este tipo de recopilación sirviera de espejo retrovisor de una época específica de la escritura poética. De esta manera, las antologías se convierten –no todas– en dato bibliográfico antes que en vehículo motivador del placer de la lectura o en dínamo de un deslumbramiento mayor ante los poemas incluidos.

Con un papel divulgador de similar alcance al de un diario o al de una revista, las antologías son una sintética puesta al día, tal cual sucede al cierre de los noticieros de televisión de la noche, cuando en dos minutos se resumen los principales hechos de la jornada, salvo que las antologías deberían servir para algo más que únicamente informar sobre acontecimientos recientes en la historia de la escritura de poesía. Deberían ayudar a fomentar criterios de lectura y de evaluación. Tal vez por eso, porque vivimos en la era del instante veloz y de la abolición del recuerdo, lo que Filippo Tommaso Marinetti advirtió ocurriría a principios del siglo XX recién está sucediendo cien años después. Proliferan las antologías de poesía con fecha de caducidad, las cuales, para peor, pocas veces se juegan por una estética o por una voz de ruptura que se salga de manera iconoclasta de los moldes predominantes de su época. Esto es, son pocas las que exhuman la novedad que acontece en el momento histórico de realizar la selección. Divulgan en cambio a poetas conocidos y que por tener esa condición ayudarían (enfatizo el condicional) a lograr una mejor comercialización del libro. Son tantas las fallas que algunas antologías presentan en este aspecto, que de tener una segunda edición requieren una puesta al día del material incluido. Este libro se llama Tempestad secreta, y tiene como subtítulo Muestra de poesía ecuatoriana contemporánea. Muestra no es lo mismo que antología o compilación. Según el diccionario (y en esto las definiciones de los diferentes tipos que hay varían poco), antología (sustantivo, femenino) es “un libro que contiene una selección de textos literarios de uno o varios autores y, p. ext., cualquier medio (libro, disco o colección de discos, exposición, etc.) que incluya una selección de obras artísticas”. Muestra, en cambio también “sustantivo, femenino”), es “una parte o porción extraída de un conjunto, por métodos que permiten considerarla representativa del mismo”. Compilación, por su parte, es una “obra que reúne partes o extractos de otros libros o documentos”. De las tres prefiero, por razones de efectividad operativa, “muestra”, palabra a la cual también recurre Medusario (Muestra de poesía hispanoamericana). Muestra tiene un sesgo de inclusividad rigurosa aunque no pretenciosa ni pedantemente exclusiva, como la tiene la palabra antología, la cual sugiere un proceso de selección establecido según rigurosas pautas, algo que por lo general ocurre muy poco.

Tempestad secreta es una muestra que destaca la obra de 29 poetas nacidos entre 1947 y 1976, un puñado de voces imprescindibles para intentar entender la poesía ecuatoriana que se está produciendo en la primera década del siglo XXI. La polifonía y la multi-perspectiva sintáctica la caracterizan. Tres líneas formales prevalecen (a las que me referiré luego), para instaurar un punto de partida, una salida del centro hacia otra parte. El periodo histórico en vigencia lo amerita. El primer año de la segunda década de un siglo ha tenido, desde el Romanticismo hasta el presente, la condición de época bisagra, de culminación de un viaje hacia algo en desarrollo que recién llega por más que se haya venido gestando casi en oculto, a la sordina, y que de pronto eclosiona. Pasó en Europa en el siglo XIX con el Romanticismo, y asimismo ocurrió en Hispanoamérica en el siglo XX con la conclusión del Modernismo y el esbozode las primeras grietas rupturales de la vanguardia. Veamos. Entre 1800 y 1810 se publicaron varios libros seminales para la consolidación del Romanticismo que generaron a priori el primer impulso de modernidad estética, el cual, con variantes y agregados, llega sin altibajos hasta la época actual. En la lista deben mencionarse: el Sistema del idealismo trascendental, de Friedrich Schelling, la poesía de Friedrich Schiller, la Fenomenología del espíritu de Hegel, los poemas de William Wordsworth, el Viaje a las regiones equinocciales del nuevo continente, de Alexander von Humboldt, la primera parte del Fausto, de Goethe, La marquesa de O, de Heinrich von Kleist, La novia de Messina, de Friedrich Schiller, Zastrozzi, de Percy Bysshe Shelley, además de la segunda edición, ampliada, de las Baladas líricas de Wordsworth y Samuel Taylor Coleridge, obras que dieron inicio al Romanticismo inglés y se expandieron como onda sísmica por todo el continente europeo, donde, finalmente, el reinado romántico alemán encontraba competencia. Francia llegó un poco más tarde a la fiesta romántica, pues recién con la publicación de De l'Allemagne (Alemania) de Madame de Staël, en 1810 (que debió reeditarse tiempo después ya que Napoleón mandó destruir la primera edición), los escritores de ese país comenzaron a experimentar el furor continental por una forma nueva de pensar y de escribir la literatura.

Un siglo luego la poesía hispanoamericana vivió una parecida metamorfosis aunque, salvadas las distancias hasta entonces pronunciadas entre las literaturas de Hispanoamérica y de Europa, debería hablarse de una versión minimalista de esta, pero con grandes cambios pronunciándose en el horizonte retórico. Para 1910 el Modernismo agoniza y con la muerte de Julio Herrera y Reissig, ocurrida ese mismo año, el primer poeta de vanguardia que dio nuestro continente, la poesía moderna hispana entró en una fase inédita. Según Virginia Wolf, en 1910 (año en que nació José Lezama Lima), se notó un cambio de sensibilidad en el mundo y también en la forma de expresar el hecho poético. Al año siguiente T. S. Eliot comienza a escribir La canción de amor de Alfred J. Prufrock, que publicaría en 1915, primer poema moderno en lengua inglesa. Cien años después de aquel periodo fundacional de la poesía moderna podemos decir casi lo mismo sobre el momento actual de la lírica en lengua castellana, pues se percibe un cambio a distintos niveles desensibilidades (parece agotada, otra vez, la llamada “poesía de la experiencia”). Ante las circunstancias históricas, las formas de la poesía en nuestro idioma a principios del siglo XXI evidencian un viraje hacia algo que ya no es igual a lo que leímos antes. Poesía ya no es “tú”, como creía Gustavo Adolfo Bécquer, con un ojo amarrado al pasado, sino cualquier persona del verbo a partir de la reversión del panorama del lenguaje. En otras palabras (y a partir de 2010, odisea de la palabra, la poesía debe tenerlas a todas en cuenta), el cambio de expresión y sensibilidad se constata mejor que en otra parte en el cambio de paradigma lingüístico, donde la poesía existe como Ser ancestral del idioma cargando su propia resolución. Todo reside allí para ser interrogado y, lo antes posible, apropiado. Esta Muestra es un ejemplo al respecto. Los poetas incluidos dejan constancia del ultimátum que le han dado a la razón en el ámbito propiciador de las palabras,cancelando el inútil totalitarismo de esta.

Se constata un impulso de concentración y desplazamiento, y sobre todo de trueque de habla tranquila (la poesía que ya no puede ser exclusivamente instrumento de mimesis emocional) por un frenesí discursivo donde el lenguaje saca a relucir su labia, su afán de progreso en la sintaxis. La poesía ecuatoriana contemporánea alcanza su lugar inobjetable en el contexto hispanoamericano, del cual da cuenta este libro, mediante una profunda escisión a nivel de la representación. Lo demás, llega por añadidura. Primero está el hallazgo de la voz propia, primero eso, y luego enseñarle, en caso de que sea necesario, a decir lo que quiera. Una antología de poesía se hunde o se salva por el material recopilado. Ha habidoalgunas, varias, que incluso teniendo inspirados prólogos resultaron desastrosas y han caído en el olvido (las bibliotecas del mundo están llenas de ellas y en algunos casos sólo se salva el prologuista), y hay otras que incluso sin palabras liminares se transformaron en muestras recomendables, canonizadoras de sí mismas. Las del argentino Alberto Girri (1919-1991), sus varias antologías de poesía norteamericana, son un ejemplo fiel al respecto. Así pues, a diferencia de tantas antologías hispanoamericanas y transatlánticas recientes donde, por la superficialidad de criterios empleados y los obvios pecados de amiguismo, resulta casi imposible justificar la presencia de la tercera parte de los incluidos, Tempestad secreta se destaca por la coherencia utilizada para fundamentar sus distinguibles códigos de elección y distanciarse al mismo tiempo de un plan totalizador de estéticas poéticas, tan nefasto y común en este tipo de volumen colectivo, el cual suele convertir a las antologías en clones de la guía telefónica.

Por fortuna, para el lector y para el criterio general del libro, esos excesos debidos a la falta de rigor y perspectiva estética, y por el uso recurrente del “criterio amiguista”, aquí han sido sorteados mediante el ejercicio de un plan de lectura honesta basado en la calidad de los poemas incluidos. Una antología, una buena antología, rigurosa y coherente (esta lo es), no debe ser más ni menos que esto, sin querer impostar otra cosa; no debe pretender convertirse en la verdad definitiva ni pomposamente aspirar a ser heraldo de una dudosa imposición de canon que nunca llega a resultar contundente ni convincente. Tempestad secreta cumple afirmativamente su cometido de síntesis, rescate y afirmación de determinados tipos de lenguajes líricos, satisfaciendo la prueba del rigor no sólo por la coherencia de criterios empleados en el trabajo recopilatorio, sino asimismo por el corpus poético seleccionado, detalle nada menor en este tipo de libro donde el valor documental hace recordar a esos discos de “Grandes Hits”, en los cuales uno le recomienda a un amigo: “Escucha esta canción, y aquella también, la otra no, pero la siguiente sí”. En Tempestad secreta hay muchas voces y canciones buenas. De antología. La opción es variada y cumple con efectividad su objetivo de presentar una rigurosa visión de la poesía ecuatoriana contemporánea según determinadas preferencias estéticas, articuladas por la subjetividad y justificadas por una perspectiva unificadora. Las notas introductorias de cada poeta son informativas, precisas, y los comentarios al final de los poemas no caen en vanas adulaciones con afán exegético, tan comunes en estos días al género recopilatorio. Es otro de los aspectos destacables de una muestra llamada a ser referente y con vida propia en el proliferante mundo de las antologías.

A principios del siglo XX, Julio Herrera y Reissig (de quien el 18 de marzo de 2010 se cumplió el centenario de su muerte), constatando que los lectores de poesía eran una disminuida minoría que crecía proporcionalmente a la inversa, dijo – más bien se dijo a sí mismo– “escribiré para París”. La capital francesa representaba, podemos suponerlo, el futuro. ¿Para quién escriben los poetas ecuatorianos hoy en día? La pregunta no resulta antojadiza pues, viendo las principales antologías de poesía hispana realizadas en los últimos cien años, la presencia de poetas ecuatorianos es mínima o inexistente. Ni siquiera la crítica especializada la ha tenido en cuenta. Como prueba basta un botón, mejor dicho, dos.

Una de las antologías que mayor circulación internacional tuvo en la primera mitad del siglo XX, Laurel. Antología de la poesía moderna en lengua española (México: Editorial Séneca, 1941), con selección a cargo de Octavio Paz, Emilio Prados, Juan Gil-Albert y Xavier Villaurrutia, quien escribió el prólogo, no incluyó a ningún poeta ecuatoriano (tampoco hay uruguayos, pero sí nueve mexicanos y cinco argentinos, no todos recomendables). Mejor dicho, está incluido Jorge Carrera Andrade, pero, vaya garrafal error, ¡como poeta peruano! En Laurel figuran poetas menores y hoy casi olvidados (Enrique González Martínez, José Moreno Villa, y Bernardo Ortiz de Montellanos), aunque en la lista de excluidos injustificadamente, más larga que la extensa nómina de los 38 poetas seleccionados, no figura Herrera y Reissig, voz poética fundamental para entender la época de tránsito entre el Modernismo y las vanguardias. Entre las varias afirmaciones que hoy pueden considerarse barrabasadas oportunistas traídas de los pelos, Villaurrutia afirma en las palabras introductorias de Laurel: “Rubén Darío, Miguel de Unamuno, Antonio Machado, Juan Ramón Jiménez, Leopoldo Lugones y Enrique González Martínez, forman por ello el grupo inicial de la lírica moderna en lengua española en esta Antología en que no figuran otros poetas, contemporáneos suyos, cuya obra se incrusta definitivamente en el mosaico de la poesía modernista”. En la última página del libro, luego de la información bio-bibliográfica de los poetas, aparece esta nota: “(Los autores de esta Antología incluyeron en ella a los poetas Pablo Neruda y León Felipe. Cuando estaba en prensa este libro, esos señores solicitaron de nuestra Editorial no aparecer en él. Lamentándolo, cumplimos su deseo). Fue, sin dudas, una de las mejores decisiones que Neruda tomó en su vida.

En otra antología, con características totalmente diferentes a la anterior, la cual también tuvo en su momento amplia circulación internacional, sobre todo en España (donde fue publicada en 1964), Poesía Hispanoamericana de Terrazas a Rubén Darío, realizada por José García Nieto (1914–2001, ganador del Premio Cervantes en 1996) y Francisco Tomas Comes, la presencia de poetas ecuatorianas es mínima. Perdido como aguja en el pajar, más bien como Perico de los palotes, aparece Julio Zaldumbide (1833-1881), el del poema “Al sueño”, y páginas antes figura el poeta guayaquileño José Joaquín de Olmedo (1780-1847), un comodín al que era fácil recurrir por su condición de poeta neoclásico escribiendo en un periodo histórico cuando el neoclasicismo había caído en desuso. La poesía ecuatoriana no ha tenido buena suerte con las antologías, en caso de que tal abstracción de la incertidumbre, eso que llamamos suerte, fortuna o casualidad, sirva paraintentar explicar el sistemático desdén padecido por esta lírica andina. Difícil presentar razones precisas sobre los desaires sufridos a lo largo de las décadas, pues en estos casos las arbitrariedades nunca vienen acompañadas de justificaciones, sobre todo teniendo en cuenta la existencia de poetas ecuatorianos de gran calidad a nivel continental cuyas exclusiones resultaban injustas, como César Dávila Andrade (1918-1917) y Alfredo Gangotena (1904-1944), quien si bien escribió gran parte de su obra en francés, la misma comenzó a ser conocida y reconocida en nuestro continente a partir de fines de la década de 1920. Además, no puede ponerse por excusa o justificación para excluir a Gangotena de las antologías continentales el hecho de que haya escrito en francés, pues también en ese idioma lo hicieron el chileno Vicente Huidobro (1893-1948) y el peruano César Moro (1903-1956), quien dos años antes de su muerte publicó su tercer libro en francés, Trafalgar Square, lo cual no impidió que su poesía escrita en español fuera antologada y tuviese generosa difusión.

El quiteño Gangotena, en cambio, permanece confinado en un casi secreto gueto, en la marginalia generada por el aura o mote, depende, nada justo de “poeta afrancesado”. Por cierto, convendría revalorizar la literatura de poetas nacidos en la América que escribieron en francés, como son los casos de los mencionados, además de Isidoro Ducasse (Conde de Lautréamont), Jules Laforgue, y Jules Supervielle (amigo de Gangotena), cuyas obras exigen ser leídas en otro contexto de mayor alcance, aparte del exclusivamente francés. Ese plan de rescate no resulta para nada descabellado. En Uruguay, salvo muy ilustrados círculos literarios (y ni siquiera allí), es desconocida, mejor dicho, ignorada, la poesía de Lautréamont, Laforgue y Supervielle, simplemente porque escribieron en francés, por másque los tres se consideraran, antes que franceses, montevideanos. También ha sufrido (y sufre) marginaciones otra poeta montevideana, Susana Soca, excluida de la mayoría de las antologías por la absurda razón de haber residido varios años en Francia. La periferia padecida (aunque el presente de indicativo resulta el tiempo verbal adecuado) por la poesía ecuatoriana, sin embargo, es otra. Se pueden conjeturar varias posibles causas. Aparte de la mala circulación de los libros de poetas ecuatorianos fuera de las fronteras de su país –habría que escuchar las explicaciones que pudieran esgrimir los editores al respecto– surge como una de las razones principales la ausencia en Latinoamérica de una crítica literaria rigurosa, especializada en poesía. Nuestra (nadie debería sentirse excluido) orfandad en este aspecto resulta alarmante. Quienes escribieron con insistencia sobre poesía (y han hecho la casi totalidad de las antologías), fueron casi siempre poetas en ejercicio de sus gustos literarios, escribiendo sobre estéticas afines a las suyas, y que no necesariamente tuvieron en cuenta el análisis detallado, riguroso y fundamentado de las obras y autores a consideración. Hubo también, es verdad, “críticos-poetas” con buena formación intelectual, como Octavio Paz, Saúl Yurkievich y Guillermo Sucre, los cuales por lo general se dedicaron a revisar figuras canónicas, sin que se les deba el hallazgo de alguna voz nueva, recién surgida, o bien la exhumación de un poeta olvidado. Tampoco articularon un discurso crítico iluminado, tal cual lo hizo magistralmente Hugo Friedrich (1904-1978) en Estructura de la lírica moderna (1956), que permitiera entender mejor un periodo estético-lírico poco conocido o una determinada tendencia formal. Lo que tuvimos y tenemos, y de una vez por todas hay que ser claro al respecto, han sido opinadores y reseñistas, articulistas de diarios y revistas, gente con afinidades electivas y moderada pasión por la poesía, pero no intelectuales del lenguaje que hayan sabido pensar de manera consistente y rigurosa sobre el fenómeno lírico, de la misma forma que los tuvieron, y en gran cantidad, la poesía alemana, inglesa, francesa y estadounidense a lo largode los tiempos.

Seguramente la poesía romántica inglesa, que tantas nuevas estrategias discursivas aportó a la “estructura de la lírica moderna”, carecería de su contundencia formal de no haber existido un pensador con ideas de avanzada como William Hazlitt (1778–1830), cuyo ensayo “Lectures on the English Poets” (1818) resulta esencial para comprender la poesía de ese periodo fundacional. Sin pensadores de la poesía, esto es, sin filósofos del lenguaje y del hecho lírico como resultado de un acto con consecuencias del pensamiento, los poetas hispanoamericanos continuarán, como lo han hecho hasta ahora, escribiendo para un auditorio reducido pero incompleto, pues hay lectores de poesía aunque no críticos especializados en analizar esta.

Por consiguiente, teniendo en cuenta este desolado panorama que de una manera o de otra afecta a todos los países del río Bravo para abajo, un panorama aun en presente aunque muchos países celebren por estos días el bicentenario de su independencia, a nadie debe extrañar que la poesía de Ecuador haya pasado prácticamente desapercibida desde los inicios de la modernidad, a fines del siglo XIX. Ha sido demasiado tiempo, es un largo olvido que el presente siglo tiene la obligación, en la medida de lo posible, de subsanar. Jorge Luis Borges, a quien cité 25 párrafos atrás, afirmó que “ochenta años de olvido equivale tal vez a la novedad”. Me animo a decir que el siglo XXI, después de mucho más que ochenta años de olvido, será el siglo de la novedad de la poesía ecuatoriana. Los ejemplos provenientes de este libro otorgan credibilidad a mi entusiasmo. Es posible que el XXI sea el siglo de la poesía ecuatoriana tal como el XX fue el siglo de la poesía chilena y de la poesía peruana, los dos países que tuvieron mayor visibilidad en el género lírico anivel continental (y que mexicanos y argentinos sepan disculpar mi afirmación, pero es así).Esta vez las excepciones obligatorias no son Dávila Andrade ni Gangotena (ni tampoco Carrera Andrade, quien en antologías ha estado representado mejor que el resto de sus coterráneos). Esta vez los Dávila Andrade y Gangotena son unos cuantos poetas ecuatorianos de hoy, varios de los cuales integran esta antología ejerciendo peculiares prácticas formales y maneras de asumir el habla lírica, todo lo cual no solamente le otorga a la poesía ecuatoriana contemporánea fuerza expresiva y aporta novedades en la matriz lingüística, sino también, muy importante, impone variedad. Las poéticas de las que este libro informa protagonizan su ADN al límite, sin evitar los aciertos de tono ni los gestos de transformación discursiva que por sí solos bastan para ser catarsis. Por encima de todo, Tempestad secreta destaca un nuevo punto de partida en la poesía ecuatoriana, una lírica que ha pasado demasiado tiempo ignorada, que anduvo más de un siglo deambulando para salir de su restringido espacio de reconocimiento y encontrar criterios de comprensión, esto es, para lograr que finalmente le presten atención.

Sin discrepar ni concordar (pues aquí no es el lugar para hacerlo) con las afirmaciones sostenidas en 1966 por Octavio Paz en su ensayo “Poesía en movimiento”, en el cual se preguntó sin llegar a responder con argumentos definitivos si efectivamente hay una “poesía mexicana”, podemos hablar no obstante de una poesía escrita en Ecuador, legitimada por determinados rasgos de dicción y comportamiento sintáctico que añaden un habla y un decir específico a la tradición poética hispanoamericana, dato que podría ser verificable a nivel de análisis micro lingüístico.(1)

La poesía ecuatoriana contemporánea, tal cual este libro lo revela, es una nota personal de la trascendencia, un dato entregado a los rasgos que menos se conocen del habla de unaidentidad nacional, en caso de que tal cosa exista. La escritura, poniendo en práctica ciertos ejemplos arquetípicos, documenta un tránsito y un arrebato, siendo por lo tanto glosa que también es juego, juerga, jerga y enigma dando a conocer por qué se piensa y se escribe de una determinada forma y no de otra. Las palabras emulan algo con lo cual han venido a ponerse de acuerdo de manera diferente, y de ahí la diversidad de tonos, prosodias y modos de ejecutar la sintaxis. Detenidos en su resarcimiento, en el equilibro apacible de una intuición, los poemas incluidos en Tempestad secreta refieren a un estado de ser del “habla ecuatoriana”; acortan el distanciamiento entre imaginación y realidad, entre plan y realización, entre metáfora y metonimia, pues el desplazamiento incluye un repertorio alegórico que al expresarse se va construyendo. Los versos repasan lo material y lo concreto del lenguaje, lo que tienen presente en sus particularidades para poder hacerlo hablar de otra forma, sin que el propósito de las distintas estéticas sea generar una voz única. Nada más diferente (más allá de los puntos de contactos que puedan existir entre ambas poéticas), que la lírica de Ernesto Carrión y la de Edwin Madrid, por ejemplo, y sin embargo puede hablarse de un espacio autotélico unificador (que no elimina las diferencias), en el cual las voces rigen su destino sin cargar lastres ideológico ni buscando imponer una verdad histórica oficial que, además, no existe.

En la poesía ecuatoriana contemporánea hay un tono de inflexión, protegido por un atractivo que se mantiene y que no invierte su papel, que va a su aire, empeñado en suceder manteniendo sus huellas y lo que viene incluido en ellas, una coreografía a la que le ordenaron contraatacar en cada nueva frase y crear suspenso en cada mínima secuencia en la que no necesariamente deben ocurrir cosas. El poeta, afortunadamente para la poesía, ya no es responsable de la realidad histórica y por lo tanto debe hacer algo con la densidad de su pensamiento. La poesía, un exorcismo de la inteligencia. Como si el lenguaje jugara a la ruleta rusa cantando en voz alta, un melodismo sale a flote, poniéndose a solucionar lo que propone –sin nunca hacerlo explícito– y con lo cual no necesariamente debe estar de acuerdo.

La poesía de los 29 autores incluidos en este libro permite observar tres líneas de dicción lírica no tan difícilmente determinables. Encontramos una línea de interrogación metafísica del lenguaje, cuya genealogía ‘irreferencial’ le otorga al acto poético una condición esparadagmática. Puesto que el poema transforma al desacuerdo con la interpretación en su primer objetivo, y para hacer más irremplazable a su itinerario sintáctico, la escritura ostenta una resistencia total al sentido único, totalitario, asumiendo la forma de una ilustración –o algo parecido– sobre la cual faltan referentes. Las palabras dan cuenta de una entidad sospechosa que recién a partir de las frases podrá empezar a existir.

Como corolario de una plataforma expresiva en actividad surge una escritura. arborescente que conforma la ambigua y decisiva demarcatoria configurativa donde se reinscribe una conflictiva significancia, algo así como la lucha de una palabra con otra. Ante la escucha episódica emergen versos y estrofas habituados a provocar el desconcierto sin siquiera haberse esforzado, a originar a su paso una plenitud ensimismada que no admite distracciones. Podemos hablar de una amplitud abstracta en la cual las palabras buscan en vano lo que ya encontraron, aunque amaguen seguir hablando. La expansión de sentidos y motivos a partir de la insistencia en un decir reverberante no queda del todo descartada. Haciendo uso de una retórica por momentos agramatical que tomó la decisión de existir donde las palabras hacen perder el rumbo del acto de la interpretación, pues labúsqueda de indicios no parte de ruinas preestablecidas sino de momentos iniciáticos que visitan al significado apenas una vez, la poesía programa su desafío en dirección contraria hacia donde se dirige. En esta línea pueden inscribirse las poéticas de Jorge Martillo Monserrate (1957), Roy Sigüenza (1958), Fabián Guerrero Obando (1959), Fernando Balseca Franco (1959), Galo Alfredo Torres (1962), Paco Benavídes (1964-2004), Cristóbal Zapata (1968), Luis Carlos Mussó (1970), y Ernesto Carrión (1977). Maquinarias de ritmos y visualidades, tramos de iniciación de algo que escuchamos cantar en voz alta aunque ya no importe saber cuál ha sido el origen del canto (pues resulta imposible trasladar simétricamente las cosas de la realidad al lugar donde fueron dichas), los poemas asociados a esta tendencia tienen dos vidas simultáneas: una en la página, otra enlos oídos. Pronostican y alertan sobre la traza de promisión que representan, como si supieran con certeza que todo cuanto dicen tiene sentido, pero en otra parte. Las señas textuales operan en complicidad con una melodía que devuelve al intríngulis semántico su prestigio auditivo.

Los poemas se erigen contra las expectativas, ya que tanto el trayecto lúdico de la gramática como el ojear de la percepción desembocan en un proceso contra-intuitivo mediante el cual el lenguaje poético consigue sabotear las prerrogativas de la lógica. En carta de 1916, Walter Benjamin señalaba que “cualquiera que pelee contra la noche debe movilizar su más profunda oscuridad para liberar su luz”. La poesía se transforma en la entidad material donde el sujeto (social y lírico) libera su luz expresando su oscuridad. El lenguaje sabe hacerlo muy bien. Encandila desde la penumbra.

Aparece también otra vertiente operativa, una en la cual se advierte una improbable reconstrucción del operativo visual del mundo empírico en donde destaca la desestabilizante belleza de los signos colapsados y, antes que nada, la necesidad de representar la realidad a través de lo que no se puede decir completamente de lo que ocurre allí. En esa línea de distensión y acercamiento al mismo tiempo, en la que el habla lírica trabaja a partir de las esquirlas del silencio, se instalan las obras poéticas de Huilo Ruales Hualca (1947), Sara Vanégas Coveña (1950), Pablo Yépez Maldonado (1958), Vicente Robalino (1960), María Fernanda Espinosa (1964), César Molina (1965), Pedro Gil (1971), Ángel Emilio Hidalgo (1973), Carlos Vallejo (1973), Franklin Ordóñez (1973), y David G. Barreto (1976). Integrada al sintagma poético, la palabra representa no lo que quiere decir, sino la manera de decirlo. En el teatro de operaciones, la crítica histórica no exige ser entendida para extenuar las posibilidades de la realidad. Su arraigo está en hablar de algo que persiste como posibilidad o imaginación, como si la poesía tuviera que ver, y con oír, algunas frases que escuchamos a lo largo de la vida y que por alguna razón sin especificar deberían ser salvadas del olvido. ¿Hay algo que no han dicho, que falta por decir? La situación hace pensar en los versos de Antonio Machado, “oscura la historia/y clara la pena”, pues durante su tránsito por entre la contradicción y la “oscura historia” las palabras no pierden de vista aquello que todavía no han podido mirar. La descripción de esa itinerancia, la cual no acontece como autismo de la sensiblería, acompaña el antagonismo que caracteriza al habla poética contemporánea, ya que el poema es la escritura en “contra de”: el territorio vulnerado por todos los signos que tienen cabida al mismo tiempo.

En el meollo resalta una transparencia oclusiva mediante la cual el signo poético toma posesión de situaciones cambiantes en el plano semántico: la palabra comienza diciendo una cosa, pero puede terminar diciendo otra. Hay un tono de realidad que no es necesario mantener, y el cual no puede quedar definido por un único aspecto. Recurre a la exclusividad conspiradora de su accionar para construir las frases, al protocolo de un novel tono que devuelve al acto de escribir, a partir de lo observado, su condición no-objetiva, sobre todo ante ciertas situaciones de una realidad que desde dentro se ve tan exclusiva como por fuera.

La poesía mira para el mismo lado, para ver cosas diferentes. Por un pelo podría perderse fácilmente el mundo moderno, dejar en desuso al bel canto por considerarlo monótono, innecesario para lo que deben ser los atributos fundamentales de la usanza lírica. La poesía propicia una trayectoria en la cual se constata un hecho indiscutible; las señales que deja la realidad son insuficientes para darle sentido al núcleo de la vida. Por lo tanto, sintiéndose obligada a hacerlo, la poesía reconstruye el tramo de realidad y existencia que va desde origen hasta aquí. A partir de cero –del grado cero de la visualidad– reconstruye las marcas que salpican la superficie de lo real y que en definitiva son las que componen la trama lingüística del poema exhibiendo los nombres encontrados durante el periplo que aun espera tener conclusión, pues ha ido demasiado lejos, desplazándose entre la austeridad y lo inexpresivo. ¿Qué realidad es esa? Georges Perec, en las palabras preliminares de su novela póstuma Lo infraordinario, afirma lo siguiente: “Lo que ocurre cada día y vuelve cada día, lo trivial, lo cotidiano, lo evidente, lo común, lo ordinario, lo infraordinario, el ruido de fondo, lo habitual, ¿cómo dar cuenta de ello, cómo interrogarlo, cómo describirlo?”. La tercera tendencia advertida entre los 29 poetas convocados involucra una escritura establecida “contra lo escrito” y no imperativamente representativa de la oralidad. Plantea un signo roto que viene de antes y que abandona el escenario retórico dejando su posible resolución en puntos suspensivos. El encriptamiento ha sufrido un proceso de austeridad; el lenguaje habla como si el yo tuviera bien especificado su auditorio, y la conversación hubiese comenzado antes de la llegada del lector, incluso antes de la escritura del poema. El yo lírico acepta el tono casi confesional de su impostura, casi, pues el trasfondo del relato (poesía que habla para poder decir) queda a mitad de camino, situado con ecuanimidad entre las figuras que exalta y aquello que todavía no pensó ni está seguro de que quiera decir.Los mecanismos retóricos de escisión, tanto de lo cotidiano como de lo trascendental, eliminan las diferencias entre lo oral y lo escrito; el poema se instala en ese espacio límbico, intransigente por no querer dar a conocer sus señales de identidad y por permanecer en un estado de deconstrucción, dentro del cual lo escrito amaga con quedar resuelto justo cuando está siendo leído, y lo oral entra en fase de borramiento, de cambio hacia otro nivel de expresión. Surge un lenguaje en estado de pantomima, como si las palabras intentaran leer los pensamientos a partir del silencio que no pueden interpretar, intuyendo a pesar de todo el advenimiento de una arquitectura donde mente y realidad hacen sus transacciones sin anularse mutuamente. La poesía, cortesía de una perspectiva, cumple de tal manera con una ordenanza contradictoria: el documentalismo auditivo existe a partir de su condición de práctica inscriptiva. Un cierto ascetismo minimalista mantiene vigente sus resonancias al no poder estas quedar sistematizadas, hubiera sido pensada muy bien antes de quedar exhibida en la escritura. En esta, los accesos de la representación encuentran la manera de acumularse sin llegar repetirse, en sintonía con un planteamiento sobre el cual no tenemos completa información y que sin embargo contribuye a un aporte de significación (en el plano de los significados), algo muy raro en la lírica de los días de hoy. La palabra pone a disposición de la poesía los rebotes de la sensibilidad, el componente estético de los sentimientos, ese interés de la inteligencia por saber qué hay en los estados de ánimos y de qué manera puede ser expresado en el idioma, sin temor a que este pueda cambiarle la fecha de vencimiento a los mismos. El poeta habla para que las palabras vengan. Su monólogo tras bambalinas, adonde siempre vuelve, hace del poema un lugar propenso al autorretrato, a la imagen total que invoca sin resolver. En esa inflexión, que en ningún momento olvida hacia dónde va, el gesto idéntico se repite de forma incesante para ser diferente. Al lector le llegan rumores de un habla bien tramada, de un rito de menos a más, pues recién está llegando desde lejos para poder completar su permutada existencia. En esta línea se incluyen las obras de Ramiro Oviedo (1952), Mario Campaña (1959), Edwin Madrid (1961), Aleyda Quevedo (1972), Paúl Puma (1972), Alfonso Espinosa Andrade (1974), César Eduardo Carrión (1976), Javier Cevallos (1976), y Juan José Rodríguez (1979).

Así pues, el presente volumen representa antes que nada una invitación a la lectura de una poesía repartida en 29 voces que ahora mismo están sucediendo por separado para dar forma a una identidad compartida. Es como encontrarse después de algún tiempo con un viejo amigo al que le gusta leer y recomendarle unos cuantos libros que se fueron acumulando en la memoria desde la última vez que lo vimos, y que habían estado esperando ese momento, el del reencuentro, el de la oportunidad para poder decírselo. No en vano, esta muestra selectiva privilegia la felicidad del hallazgo de una casi treintena de voces, y al mismo tiempo sirve para sacar a la tempestad de su secreto y ponerse al día con una de las líricas americanas menos conocidas.

Los poemas incluidos invitan al goce del tiempo del periplo a través de una superstición invulnerable; la del lenguaje: invitan a ir más allá del mero intento de “pensar sobre”, para entrar a ese periodo de deslumbramiento de la lectura que hace pensar en la historia ilustrativa contada por John Keats a una estudiante de poesía. Decía el poeta inglés que cuando uno se tira a un lago no es para alcanzar enseguida la orilla, sino para estar en el agua y disfrutar la presencia de esta. Tempestad secreta es una invitación a tirarse al agua, no para intentar encontrar inmediatamente la orilla. Como siempre y asimismo aquí, la única obligación de la poesía es dar cuenta de su existencia autosuficiente, involucrarse en las cosas que quiere decir, y expresarlas, aunque por propia voluntad desista explicarlas. Viene al caso también la historia de Confucio. Tras un largo paseo sin destino fijo en compañía de uno de sus discípulos, este, a punto de perder la paciencia por sentir que no iban a ninguna parte, preguntó: “Maestro, ¿adónde vamos?” Confucio respondió: “Ya estamos”. En el libro donde ya estamos, el lector ha de sentir que la lírica ecuatoriana actual recompensa con la promesa de un viaje mientras el viaje está teniendo lugar y nosotros, los lectores, somos el destino.

(1) Paz llega al colmo de criticar la noción de identidad poética nacional –tema para un largo y bizantino debate– pero al mismo tiempo le dio el visto bueno a infinidad de antologías de poesía mexicana, entre otras Poesía en movimiento (a la cual el poeta mexicano llamó “un experimento”) y Ómnibus de poesía mexicana donde, obviamente, el propio Paz aparece como punto de referencia. Además, sus contradicciones o faltas de criterio y/o arbitrariedades se evidencian en otro aspecto; a poetas que primero destacó, luego los excluye, caso de Enrique González Martínez, a quien incluyó en Laurel, pero luego se opuso a que fuera incluido en Poesía en movimiento.

Eduardo Espina
nació en Montevideo, Uruguay, en 1954.
Obtuvo su doctorado en Filosofía en Washington University en St. Louis, Estados Unidos. Ha sido profesor de Poesía Contemporánea en diferentes universidades de Estados Unidos y México. Publicó los libros de poemas: Valores Personales 1982; La caza nupcial, 1993, 2a. edición 1997; El oro y la liviandad del brillo, 1994; Coto de casa, 1995; Lee un poco más despacio, 1999; Mínimo de mundo visible, 2003, y El cutis patrio, 2004. Libros de ensayo: El disfraz de la modernidad, 1992; Las ruinas de lo imaginario, 1996, y La condición Milli Vanilli. Ensayos de dos siglos, publicado en 2003 en Buenos Aires por Grupo Planeta. En Uruguay ganó dos veces el Premio Nacional de Ensayo: en 1996, por el libro Las ruinas de lo imaginario, y en 2000 por el libro Un plan de indicios. En 1998 obtuvo el Premio Municipal de Poesía por el libro aun inédito Deslenguaje. Ha ganado las becas del National Endowment for the Humanities y del Rotary Foundation. Sobre su obra poética se han escrito tesis doctorales, y extensos artículos de estudio fueron publicados en prestigiosas revistas académicas como Revista Iberoamericana y Revista de Estudios Hispánicos. Su poesía se estudia en universidades de Estados Unidos, Europa y América Latina, y sus poemas han sido traducidos parcialmente al inglés, francés, italiano, portugués, alemán y croata. Incluido en la Enciclopedia Británica y en más de 20 antologías de poesía latinoamericana, entre ellas Medusario, del Fondo de Cultura Económica. En 1980 fue el primer escritor uruguayo invitado al International Writing Program, de la universidad de Iowa. Desde entonces radica en Estados Unidos donde edita Hispanic Poetry Review, revista dedicada exclusivamente a la crítica y reseña de poesía escrita en español.

2011-08-15T15:04:00.000-07:00

Creación
Cartografía del Sueño IV

Espacio destinado a elaborar muestreos virtuales basados en trabajos foto-etnográficos de los diferentes aspectos de la vida cultural (tanto en las líneas de dialogo entre la ciudad y su periferia, así como en los imaginarios colectivos de los distintos hemisferios del planeta). Esta semana nuestro invitado es Jorge Luis Caputi con su muestreo: Caleidoscopio Ingles, fruto de uno de sus diversos viajes realizados por Europa, esa que amaba Borges cuando pensaba en su hogar, esa que vio nacer el Punk en el 100 CLUB , como el mismo autor lo ha expresado

CALEIDOSCOPIO INGLES

(EDIMBURGO - LONDRES)

Jorge Luis Caputi (Guayaquil)

Completó estudios formales en Economía con mención en gestión empresarial por la Universidad Superior Politécnica del Litoral. Además de un diplomado en Comercio Exterior.

Comparte sus intereses numéricos con su obsesión por el arte, las ciudades y la poesía, asunto que lo ha llevado a atravesar Europa en repetidas ocasiones.

Barcelona, Madrid, Sevilla, Amsterdam, Londres, New York, Manchester, Rotterdam y Edimburgo, son solo algunos de los destinos que ha registrado el colaborador de esta cartografía.

Actualmente realiza su tesis en la maestría de negocios internacionales.

2011-08-02T10:15:00.000-07:00

Eventos

Los Brigante
Dance sessions + Dj Denisse Chalela

El proximo viernes 2 de Septiembre el CAFE HABANO DIVA NICOTINA presenta "LOS BRIGANTE DANCE SESSIONS", donde la banda presentara arreglos alternativos electronicos de sus temas clasicos, ademas de canciones nuevas con la participación de la invitada especial DJ Denisse Chalela

Hora: 22:30
Entrada: 5 dolares

Mandragora regresa a Guayaquil con su obra "Cordeles del tiempo"

Foto: Christian Pérez

El espectáculo tiene como origen la presencia de la mujer en los cuentos míticos; obra de teatro-danza con dramaturgia Susana Nicolalde y puesta en escena de Patricio Estrella, que culmina después de un arduo proceso investigativo y de entrenamiento físico, en el relato propio de 'Ella', una mujer antigua, la que vive al final de los tiempos.

Funciones: Viernes 26 y Sábado 27 de Agosto
Hora: 21h00
Boletos: US$ 8,00; Estudiantes: US$ 6,00 y Tercera Edad: US$ 4,00PREVENTA: US$ 5,00
Lugar: Teatro SARAO, Cdla. Kennedy Vieja, Calle Primera Oeste 313-A y Av. del Periodista
Reservaciones: 04 229 5118

Concierto Lunes Culturales en la Espol

La Orquesta Filarmónica Juvenil de Guayaquil bajo la dirección del Maestro Patricio Jaramillo, presenta un concierto en el Aula magna de la Espol, (Las peñas) este Lunes 22 de Agosto a las 19H00.

PROGRAMA

Obertura “Coriolan” L. van Beethoven (1770 – 1827)

Concierto para Violín y Orquesta Camille Saint - Saëns (1835 - 1921)No 3 Op 61.

I. Allegro non troppo
II. Andantino quasi allegretto
III. Molto moderato e maestoso

Solista: JOHAN PEPPER CEVALLOS

Sinfonía No 4 en Sib Mayor Op. 60 L. van Beethoven (1770 – 1827)

I. Adagio - Allegro vivace,
II. Adagio
III. Allegro vivace
IV Allegro ma non troppo

Entrada Libre

Cine foro de danza contemporánea

“Una conversación coreográfica” de Lazlo Horvath

Un retrato a la recientemente desaparecida coreógrafa Odile Duboc, creadora de la emblemática obra “Projet de la matiere”(1993). Su trabajo de creación y pedagogía, los ensayos de la obra, el espectáculo, y su vida de bailarina.

El foro a continuación será conducido por Lcda. Carolina Pepper, bailarina y coreógrafa independiente.
Jueves 18 de agosto de 2011
Lugar: Alianza Francesa (José Mascote y Hurtado)
Hora: 19h30
Entrada Libre

Taller de escritura

Casa Morada, iniciativas culturales y Librería Mr Books anuncian la apertura del Taller de Escritura del maestro Jorge Velasco Mackenzie, que dara inicio el Viernes 12 de agosto a las 17:00 y culminara 28 de octubre del presente año.

Para participar:

escribe y envía una muestra de tu trabajo a:
talleres@casamorada.net

Concierto en la Alianza

Con el auspicio de la ALIANZA FRANCESA Guayaquil, EL CERDOTV y stereophonic (sala de ensayo) el próximo Viernes 26 de Agosto (a las 19:30) se realizara el MAGICO FEST 2011, concierto que presentara a bandas como ORGASMO SÓNICO, CONCIENCIA VERDE y BO (Boris Gallino solista)

ENTRADA LIBRE

2011-07-27T09:17:00.000-07:00

Reseña

PRESENTACIÓN DE LA NOVELA "CATADOR DE ARENAS" DE MARCELO BÁEZ MEZA EN LA FERIA INTERNACIONAL DEL LIBRO DE LIMA 2011

El martes 26 de julio de 2011 a las 20h15, en el marco de la Feria del Libro de Lima, se lanzó CATADOR DE ARENAS (Libresa, 2010). El evento fue organizado con el formato de coloquio. El joven escritor peruano Leonardo Dolores y la actriz María Fernanda Gutiérrez (agregada cultural) participaron en el evento que tuvo lugar en la Sala Ciro Alegría.

Obra que ganó el Premio Muy Ilustre Municipalidad de Guayaquil (IX Concurso Nacional de Literatura 2005, en el género de novela) convocado por la Casa de la Cultura, Núcleo del Guayas.

Parte del veredicto del jurado de ese concurso -Cecilia Ansaldo Briones, Fernando Balseca y Jorge Velasco Mackenzie- decía que: “Se concede el premio único a esta novela trabajada con un lenguaje preciso y pulido que narra con precisión y economía la historia de una pasión amorosa, atravesada por el tema de la muerte y por el desajuste del tiempo, el choque de culturas y el padecimiento de una enfermedad”.

2011-07-24T12:29:00.000-07:00

Eventos

CASCAHUESOS EDITORES ANUNCIA LA PRONTA APARICIÓN DE “31 / MODELO PARA DESARMAR. MUESTRA DE POESÍA IBEROAMERICANA ACTUAL”. COMPILACIÓN DE MIGUEL ILDEFONSO.

2011-07-21T20:40:00.001-07:00

Escritor: Miguel Ildefonso.

NOTA DE PRENSA

“PRONTA APARICIÓN DE 31 / MODELO PARA DESARMAR. MUESTRA DE POESÍA IBEROAMERICANA ACTUAL”

Cascahuesos Editores se complace en anunciar la pronta aparición de 31 / MODELO PARA DESARMAR. MUESTRA DE POESÍA IBEROAMERICANA ACTUAL, compilación de poesía elaborada por el destacado escritor peruano Miguel Ildefonso, que reúne a 31 poetas significativos iberoamericanos, entre los que ya podemos mencionar a Marcos Canteli (España), Ernesto Carriøn (Ecuador), Rocío Cerón (México), Washington Cucurto (Argentina), Héctor Hernández Montecinos (Chile), entre otros destacados poetas que garantizan un libro fundamental para la poesía actual en nuestra lengua.

Al respecto, el compilador Miguel Ildefonso nos refiere: “Es una muestra - o si prefieres llamarlo antología, llámalo así - de autores iberoamericanos, efectivamente iberoamericanos, pero utilizo este concepto político-cultural por el simple hecho de no haber otro que los englobe mejor. Porque considero que cada poeta es un modelo estético a desarmar (o desamar); y cada poeta, a su vez, se encargará de desarmar (o desalmar) al lector mediante su modelo de seducción. Y, por ello, el resultado del conjunto —que es lo que me compete a mí como compilador— se me hace que es lo más parecido a un antimodelo, justamente por querer captar la dinámica del movimiento, del proceso vivo y globalizado de la poesía actual: sus traslaciones, sus exilios, sus refundaciones en construcción.”

Sobre el compilador:

MIGUEL ILDEFONSO: Nació en Lima, Perú, en 1970. Estudió Literatura en la Universidad Católica del Perú e hizo una Maestría en Creative Writing en la Universidad de El Paso, Texas. Ha publicado, entre otros, los libros de poesía: “Vestigios”, “Canciones de un Bar en la Frontera”, “Las Ciudades Fantasmas”, y “Los Desmoronamientos Sinfónicos”. También ha publicado las novelas: “Hotel Lima”, y “El Ultimo Viaje de Camilo”. Su poesía y prosa han sido publicadas en antologías como “Pasajeros Perdurables. Historias de Escritores Viajeros”. Ha ganado premios como el premio nacional “Copé de Oro” Poesía (2002) y el Concurso de Cuento Alfredo Bryce Echenique (2003). Recientemente obtuvo el Premio Nacional PUCP 2009 en la categoría poesía.

2011-07-14T14:48:00.000-07:00

Eventos

Velada de danza Contemporánea
(Francia - Costa Rica - Ecuador)

Foto: M.Rojas

Con el auspicio de IBERESCENA, LUZ DE LUNA PRODUCCIONES, CABEZA INC,ILUSTRE MUNICIPIO DE CUENCA, CASA DE LA CULTURA NÚCLEO DEL AZUAY y MINISTERIO DE CULTURA ECUADOR, las Ciudades de Guayaquil, Quito y Cuenca, podrán ser testigos de las presentaciones de danza Contemporánea:

“OTRO DEL OTRO”
Solo de apertura de Carolina Pepper

“EL OMBLIGO”
Coreografía de Carlos Gallegos y Frédérique Roze
(Ecuador-Francia)
Baila: Milena Rodríguez (Costa Rica)
Premio IBERESCENA 2010 Creación Dramatúrgica y Coreográfica

“MANGLE ROJO”
Coreografía de Carolina Pepper
Bailan: Jenny Carvajal y Carolina Pepper
(Guayaquil, Ecuador)

CUENCA: 16 de julio 20H00 Sala «Alfonso Carrasco» (Casa de la Cultura)

GUAYAQUIL: 24 de julio 11H00 Centro Cultural «Simón Bolívar» (MAAC, Malecón)

QUITO: 29 de julio 20H00 «Frente de Danza Independiente»
(Casa de la Cultura, Edif. De los Espejos, 4to. Piso)